Seemannsgarn: „Arbeit Nahrung Wohnung“ im Magazin der Staatsoper ***
Nur wenige Tage nach ihrer Muenchner Biennale-Urauffuehrung gastiert die neue Musiktheater-Produktion des 39jaehrigen Komponisten Enno Poppe und seines Librettisten Marcel Beyer in Berlin. Es ist eine zeitgenoessischen Variante des Robinson-Crusoe-Thema’s, allerdings rueckwaerts erzaehlt. Ein Gruppe von Saengern und Musikern in Seemannskleidung entern zu Beginn die kleine Buehnen-Wohnung mit Kueche und Werkraum, in der der kauzig-steife Robinson (Graham F.Valentine) und sein glatzkoepfiger Diener Freitag (Omar Ebrahim) hausen. Hier haben die beiden in den langen Jahren der Einsamkeit die Grundlagen der menschlichen Zivilisation wiedererlernt: wohnen, essen, arbeiten. Doch der moderne Robinson resigniert am Ende des zweistuendigen Werkes: will nicht mehr in die Gesellschaft zurueck. In 14 musikalischen Szenen wird diese Entwicklung angespielt – erkennen oder nachvollziehen kann der Zuschauer davon wenig. Der lyrische Text von Marcel Beyer, seine Sprach-findungen und -spiele sind nicht zu verstehen, trotz der virtuosen Mischung aus gesprochenem, lautmalendem oder gesungenem Wort. Enno Poppes Musik gestaltet raffinert und kontrastreich Musik-Nummern aus Gerauschen, Keybord-Klaengen und vielfaeltigem Schlagwerk. Das fabelhafte Maennerquartett der Neuen Vocalsolisten Stuttgart und die acht Musiker der Koelner musikFabrik (Leitung: Michael Wendeberg) praesentieren die phantasievollen TonKaskaden und Klangmischungen auf das effektvollste. Doch ein dramatischer Funke will sich nicht entzuenden, die musikalische Dramaturgie verlaeppert sich in Endlosschleifen. Auch das raffiniert-schlichte, szenische Arrangement und die scheusslich-schoene Ausstattung von Anna Viebrock vermoegen die mangelnde Dramatik nicht auszugleichen. Hohe Professionalitaet, kluge Gedanken und exquisite Einfaelle machen noch kein Musiktheater – und so funkt auch Robinson am Ende mittels einer Taschenlampe etwas verzweifelt SOS ins Publikum. Dennoch herzlicher Applaus.
Foto: Muenchner Biennale / Staatsoper unter den Linden
Andy (Philip Seymour Hoffman) und Hank (Ethan Hawke) sind Brueder; Andy, Geschaeftsmann und Angestellter bei einer grossen Firma, lebt ueber seine Verhaeltnisse und bekaempft Buero-Stress und Ehe-Probleme mit Drogen, Hank arbeitet nur gelegentlich, kann seine Zahlungen an Tochter und Ex-Frau kaum leisten. Um aus diesen wirtschaftlichen Schwierigkeiten herauszukommen, beschliessen die Brueder einen Raub-Ueberfall – und zwar auf das Juwelier-Geschaeft ihrer Eltern in einem Vorort von New York. Dieser Ueberfall misslingt, wobei ungluecklicherweise die im Geschaeft taetige Mutter erschossen wird. Es folgt ein Erpressungsversuch durch einen zufaelligen Mitwisser, und es kommt zu blutigen Auseinandersetzungen als der Vater entdeckt, dass seine beiden Soehne die Taeter und Schuldigen sind.
Der schon 2006 in den USA entstandene, aber erst jetzt bei uns angelaufene Independent-Film erzaehlt von einem jungen, politisch engagierten Lehrer weisser Hautfarbe in einer Grund-Schule in Brooklyn, die fast ausschliesslich von Farbigen besucht wird. Die lockere, undogmatische Unterrichtsweise ueber amerikanische Geschichte sichert diesem Dan Dunne Aufmerksamkeit und Sympathie seiner Schueler, aber auch die kritische Beobachtung der schwarzen Direktorin. Dan’s Pferdefuss: er nimmt Drogen, vor allem Crack. Damit erhaelt er sich seine Spannkraft im harten Alltag als Lehrer und in seiner Freizeit als flotter Single. Eines Tages wird er von einer 13-jaehrigen (schwarzen) Schuelerin namens Drey bei einem Drogen-Kollaps in der Sport-Umkleidekabine entdeckt. Sie hilft ihm, verraet ihn aber nicht. Daraus entsteht eine Beziehung zwischen den beiden, ohne sexuelle Komponente, die zu einigen merkwuerdigen Ereignissen fuehrt: sie bewundert seine Souveraenitaet, er versucht, sie vor einem Leben in Abhaenigkeit von Armut und Drogen zu schuetzen. Beide geraten dabei an Grenzen; sie laesst sich als Drogenkurierin von einem Freund ihrer Familie anheuern, er muss in einer Auseinandersetzung mit eben diesem Freund sein anmassendes Verhalten als Weisser gegenueber Schwarzen erkennen. Dennoch endet der Film mit einem hoffnungsvollen Bild: nach einem weiteren Absturz, zu dem auch ein Besuch bei seiner leicht rassistischen Familie beigetragen hat, sitzt Dan – in einer filmischen Ellipse – auf dem Sofa seiner frisch aufgeraeumten Wohnung, in der anderen Ecke nimmt froehlich Drey Platz.
Sir Simon und Mrs.Rattle geben sich die Ehre: fuer vier Vorstellungen von Debussy’s lyrisches Drama „Pelleas und Melisande“ im ehrwuerdigen Haus Unter den Linden. Zum ersten Mal dirigiert Simon Rattle die Staatskapelle, erstmals singt seine Ehefrau Magdalena Kozena ihre inzwischen weltberuehmte Melisande in Berlin. Es ist ein grosser Abend, trotz einiger kleineren Einwaende. Sir Simon interpretiert den „Pelleas“ vorwiegend als dramatisches Werk, kraftvoll und spannungsreich, voll dunkel-gluehender Klangfarben, wobei ihm die grossartige Staatskapelle mit ihrem satten Streichkang praechtig entgegenkommt. Aber auch die zarten, manchmal fast „stummen“ Momente vermag Rattle, rhythmisch sehr praezise, zum Leuchten zu bringen. Dass gelegentlich die Saenger vom Orchester uebertoent werden, mag an dem fuer Rattle neuen Raum mit seiner speziellen Akustik liegen – dies durfte sich in den naechsten Vorstellungen schnell ausgleichen. Magdalena Kozena ist eine wunderbare Melisande mit einer traumhaften Stimme, gleichmaessig stroemend in allen Lagen, weich und fexibel – eine ideale Rollenbesetzung. Auch das uebrige Ensemble zeigt – mit einigen Einschraenkungen – hohes gesangliches Niveau: William Burden (Pelleas), Hanno Mueller-Brachmann (Golo), Robert Lloyd – mit etwas bruechiger Hoehe- (Arkel), Marie-Nicole Lemieux (Genoveva) sowie Andreas Moerwald, ein mit stupender Sicherheit singender Toelzer Saengerknabe als kleines Soehnchen Yniold.
Auf der leeren, dunkel gehaltenen Buehne steht ein riesiger Weihnachtsbaum, manchmal schneit es auf ihn herab. Vorn an der Rampe tummeln sich in lockerer Freizeitkleidung die vier angehenden Bohemiens und Kuenstler, treiben Scherz- und Liebesabenteuer, waehrend der staendig umherwieselnde Chor die Tanne schmueckt oder einem Weihnachtsmann hintersausst. Im letzten Akt der pausenlosen, knapp zweistuendigen Auffuehrung haben die Kuenstler es geschafft, sind zu Ruhm und Geld gekommen; feiern eine rauschende Party mit Champus und Sahnetorte ins Gesicht, bis die totkranke Mimi hereinstolpert und zwischen umgestuertzten Tischen und Papiermuell stirbt. Betroffen eilen alle davon, nur die als Edelnutte aufgedonnerte Musette bleibt mit der Toten allein zurueck.
Das „Romantische Ballett“ ist das Thema der diesjaehrigen Spielzeit des Berliner Staatsballetts. Diesem Umstand verdankt sich die Neueinstudierung des Klassikers „La Sylphide“ durch den daenischen Choreographen Peter Schaufuss. Es ist eine Fassung nach August Bournonville (Kopenhagen 1836), die Schaufuss seit 1979 in aller Welt inszeniert hat, u.a. auch 1982 an der Deutschen Oper. Das Zwei-Akte-Ballett (Musik: Herman von Loevenskjold) erzaehlt die Geschichte des jungen Schotten James, der sich kurz vor seiner Hochzeit in eine Elfe verliebt und dem geheimnissvollen Wesen in den Wald folgt. Doch bei der ersten Beruehrung fallen der Elfe oder Sylphide die Fluegelchen ab und sie stirbt. Eine romantische Phantasie zwischen Realitaet und Traum, zwischen Daseinsfreude und Sehnsucht nach Unbekanntem. Aber auch mit durchaus daemonischen Aspekten und gefaehrlich erotischen Momenten. Doch die neue „Sylphide“-Einstudierung beschraenkt sich auf das schlichte Maerchen. Alles ist nett und putzig, kindgerecht und absolut jugendfrei. Das Buehnenbild koennte einem Bilderbuch des 19.Jahrhunderts entstammen: Spitzbogen-Fenster und wogende Baumkulissen, rauchende Kaminfeuer und dampfende Hexenkessel. Dazu schwingende Schotten-Kilts und weisse Tuellkleider. Getanzt wird ausgezeichnet, das Ensemble zeigt sich in Best-Form, voller Anmut und Eleganz kommen die komplizierten Schrittfolgen und Drehbewegungen zur Geltung. Shoko Nakamura ist eine federleichte, grazioese Sylphide, Marian Walter ein huebscher Junge im Schottenrock: ein reizendes Paar, doch die ambivalent-gefaehrliche Spannung bleiben sie schuldig. Es ist ein Abend wie aus dem Ballett-Museum : sehr huebsch und ansehenswert, besonders fuer die Fans dieser Kunst, doch mit einem leichten Geruch nach Mottenkugeln.