Martin Schüler, Cottbusser Intendant und Regisseur, hat aus der Not eine Tugend gemacht:  da der Orchestergraben für die notwendige Musikerstärke von Richard Wagners „Ring“ zu klein ist, plaziert er das Philharmonische Orchester auf der Bühne und lässt – durch einen Schleiervorhang getrennt – die Geschichte von Siegfried und Mime, dem Drachen Fafner und der schlafenden Brünnhilde davor – auf dem zugedeckten Orchestergraben -  spielen. Mit dem nun im Halbdunkel – nur die kleinen Notenlämpchen leuchten – agierenden Orchester als fast magischem Hintergrund zeigt die Bühne im ersten Akt einen Ambos, Schmiede- und Küchen-Ausstattung im Stil des 19.Jahrhunderts, im zweiten Aufzug bilden kleine, echte Kiefern vor einem Stacheldrahtzaun den Wald vor Fafners Höhle (im tiefen Dunkel hinter dem Orchester glimmt dann das Nibelungen-Gold auf), und der Brühnhilden-Felsen im dritten Akt entpuppt sich als eine Gruppe ramponierter Salon-Polstermöbel (nebst grossem Stahl-Safe) unter weissen Tüchern.
Der Gewinn dieses Arrangements: „Siegfried“ wird zum intimen Kammerspiel, bei dem meist jedes Wort des Textes verstanden wird und die Sänger niemals durch das Orchester zugedeckt werden. Und da die Regie alles Mythologische beiseite lässt und stattdessen die komischen Momente dieser turbulenten Jagd nach dem Macht verleihenden Ring betont, entwickelt sich das über vier Stunden dauernde Musikdrama zur kurzweilig-unterhaltenden Komödie.
Dass dieses Konzept überzeugt, ist zum einen der Verdienst des flexibel und kompakt aufspielenden Orchesters unter der straffen Leitung seines jungendlich-elastischen Generalmusikdirektors Evan Christ und zum andern der eines gut aufeinander abgestimmten Sänger- und Darsteller-Ensembles.
Der stämmige Peter Svensson erscheint  hier als blondgelocker Rocker-Siegfried in schwarzer Lederhose und Muscle-Shirt, mit kräftigem, aber nicht immer differenzierendem Helden-Tenor (Schweissperlen auf der Stirn und stimmliche Ermüdungserscheinungen gegen Ende eingeschlossen). In Sabine Passow tritt ihm eine stimmlich wie darstellerisch sehr attraktive Brünnhilde im silbern-schimmerndem, tief dekolltierten Kleid gegenüber, während sein Ziehvater Mime in der sich duckend-beweglichen Gestalt von Uwe Eikötter – trotz seines hässlich-grauen Arbeitskittels – ungewohnt menschliche Züge zeigen darf. Wotan (Nico Wouterse) ist ein elegant gekleideter, schlanker Intellektueller mit machtvollem Bass-Bariton,  Alberich (im Wald vor dem Stacheldrahtzaun) erinnert in böser Ironie -  von Andreas Jäpel trefflich verkörpert – durch sein ‚Outfit‘ an die Volkspolizei unseliger Zeiten. Ingo Witzke taucht als baumlanger Fafner im Frank und mit blau-geschuppter Glatze auf: seine tiefe Stimme verstärkt er dröhnend durch einen Handlautsprecher. Marlene Lichtenberg beindruckt als jugendliche Erda mit ebenso tiefen wie satten Tönen, während Cornelia Zink’s Waldvögelein im grünen Taft-Abendkleid und mit aufgeschlagener Partitur den staunenden Siegfried aufgeregt-quirlig umkreist.
Eine im Grund sehr konventionelle, aber äusserst kurzweilige Inszenierung – ein Abend, der seinen Schwung hoffentlich auch auf den (für 2013 geplanten) Abschluss der Wagnerschen Tetralogie (die „Götterdämmerung“) zu übertragen vermag.

Foto:Staatstheater Cottbus/Marlies Kross

nächste Vorstellungen:02./17.April 2011

Einen Jux will er sich machen: damals 1913 war es Erik Satie, der mit verdrehten Worten und verqueren Melodien seine Zeitgenossen teils unterhielt, teils provozierte – heute ist es Staatsopern-Intendant Jürgen Filmm der damit eine volle Stunde sein gewogenes Publikum im der Schiller-Werkstatt launig unterhält. Es handelt sich dabei um eine kleine Albernheit: ein Baron Qualle will seine Tochter Frisette verheiraten, doch nicht nur der Diener Polycarpe, auch der vorgesehne Schwiegersohn Astolfo stolpern über allerlei absurde Sprach- und Musik-Spielereien: z.B. ‚wie reinigt man Töne?’  – man wischt auf eine Schiefertafel geschriebene Noten weg – oder: ‚Können Sie auf dem linken Auge tanzen?‘ – als Antwort schlagen drei tanzende Affen Purzelbaum.
In der Mitte des Raumes steht ein Billard-Tisch, drum herum sitzt auf alten Stühlen und Sofas das Publikum. Drei glänzend aufgelegte Schauspieler (Stefan Kurt, Jan Josef Liefers, Klaus Schreiber) hasten in alt-modischen Fräcken und abenteurlichen Frisuren herein, mimen Farce und Groteske zugleich, kaspern mit dem Publikum, spielen auf diversen Instrumenten wie Marimbaphon und Maultrommel, oder singen (in franz.Sprache) Satie’s populäre Chansons (‚Je te veux‘). Einer der  Höhepunkte ist eine musikalische Performance: wenn mit leichten Stäben die geschickten Darsteller auf einem Dutzend gutgefüllter Wassergläsern die berühmte ‚Gymnopedie No.1‘ in unterschiedlichen Tempi trommeln – ein zauberhafter Moment.
Eine bunte Mischung aus Worttüffteleien und süffiger Musik: an Klavier, Harmonium und Konzertflügel bewährt sich prachtvoll der spillerige Arno Waschk und die drei Schauspieler, die auch öfters das pompös-übertriebene Kostüm wechseln dürfen, geben ihrem Affen im wahren Sinn des Wortes kräftig Zucker. Nicht jeder Gag ist gelungen, nicht jedes Witz trifft ins Schwarze. Aber als freundlich-verspäteter Faschings-Schwank aus dem Paris von anno dunnemals beweist der kurze Abend doch einigen Charme.
Das gewogene Publikum feierte den Einstand des Intendanten und Hausherrn Jürgen Filmm als Regisseur und rheinische Frohnatur mit sehr freundlichem Beifall.

Foto:Hermann Baus/ Staatsoper Berlin

nächste Vorstellungen:29./ 30./ 31.März/ 01./ 05./ 06./ 07./ 09./ 10.April

Fast unhörbar, wie aus weiter Ferne erklingt der erste Ton von Richard Wagners hochromantischer „Tristan“-Partitur – dann führt Generalmusikdirektor Donald Runnicles seine hochkonzentriert spielenden Musiker ebenso behutsam wie zupackend in die gewaltigen, rauschhaften Entladungen des Orchesters. Die gross-disponierte, komplizierte Architektur der Musik wird unter Runnicles klar nachvollziehbar ohne ihre raffinierte Klangschönheit einzubüssen: eine überragende Leistung des neuen Musikchefs wie seines Orchesters. Auch bleibt  die Balance zwischen Orchester und Bühne immer gewahrt, kaum jemals werden die Sänger von den Klangwogen überdeckt – in den ruhigeren Momenten sind Gesangs- und einzelne Orchesterstimmen so detailgenau und einfühlsam herausgearbeitet, dass fast kammermusikalische Stimmung herrrscht und die Sänger deutlich zu verstehen sind. Ein „Tristan“ der Durchhörbarkeit, Klarheit und musikalischer Transparenz.
Zumal ein ausgezeichnetes Ensemble zur Verfügung steht, angeführt von Peter Seiffert, der nach seinem nur eingeschränkt gelungenen Tristan-Debüt vor einigen Jahren in der Staatsoper, diesmal den Titel-Helden überzeugend verkörpert, da er eine unermüdliche Stimm-Kraft und Ton-Schönheit bis in die grossen Wahn-Szenen des dritten Aktes bewahrt. Petra Maria Schnitzers Isolde vermag mit ihrem eher jugendlichen als hochdramatischen Sopran diese Kraft noch nicht ganz aufzubringen, nicht  jeder Ton klingt rund, aber diese Einschränkung kann sie durch ihre ungewohnt intensive Rollen-Verkörperung – darstellerisch wie musikalisch – glänzend auszugleichen. Kristinn Sigmundsson macht in den Monologen des betrogenen Königs Marke seine Erschütterung über den Treuebruch seines Zieh-Sohnes Tristans glaubhaft nachvollziehbar, Jane Irwin ist mit schönem Mezzo die bescheiden- treue Dienerin Brangäne. Als kerniger Kurwenal überzeugt (in der von mir besuchten 2.Vorstellung) der tadellose Einspringer Sebastian Noack; bestens fügen sich auch  die übrigen Ensemble-Mitglieder in den kleineren Rollen ein.

Umstritten ist jedoch die Inszenierung von Graham Vick, der mit den herkömmlichen Gewohnheiten stilisierter oder abstahierter Aufführungen nach dem Neu-Bayreuther Muster der Wagner-Enkel radikal bricht. Stattdessen setzt er auf surreal verfremdete Bilder, die sich allerdings nicht immer, und schon gar nicht auf den ersten Blick erschliessen. Die Bühne zeigt den grosszügigen Wohnraum eines modernen Bungalows mit Ledersofa, Sessel und einer Front von Glas-Türen, die auf eine weite Terasse führen. Beherrschendes Möbelstück ist ein blankpolierter Sarg in verschiedener Aufstellung (denn jeder Akt zeigt den gleichen Salon, aber aus  unterschiedlicher Perspektive). Tristan trägt einen dunklen Anzug, Isolde legere Freizeitkleidung. Statt eines (Liebes-)Trankes spritzt das Paar sich Drogen in den Arm, während Marke als abgewandter. stummer Zeuge im Hintergrund sitzt. Immer wieder erscheinen rätselhafte Personen auf der Terasse, scheinen religiöse Übungen zu machen, oder durchqueren stumm den Raum. Im 2.Akt gräbt hinter dem Sofa ein nackter Mann ein Grab, im 3.Akt sind alle Personen alt und grau geworden – auch Isoldes zunächst irisch-rotes Haar hat seine Farbe verloren, sie sinkt am Ende des „Liebestodes“ nicht um, sondern folgt trapperigen Schrittes ihrem Tristan und einigen anderen grauen Gestalten über die Terrasse hinaus in ein undefinierbar-dunkles Reich.
In dieser „Tristan“-Interpretation dreht sich alles ums Sterben,  jedes dieser rätselhaften Bilder kreist um den Tod. Durch die starke Präsenz der Sänger und durch ihrem intensives, engagiertes Spiel gewinnen diese Rätsel-Bilder eine fast magische Faszination : das Unergründliche, das Irritiernde des „Tristan“ beginnt in dieser surrealen Welt vielschichtig zu schillern.
Auch wenn nicht jede Idee einsichtig scheint und gelegentlich ein Zuviel an Einfällen von der zentralen Handlung abzulenken drohen (besonders im 1.Akt).
Man kann und darf eine solche Sichtweise ablehnen (wie dies überwiegend das Berliner Premieren-Publikum am 13. diese Monats tat), die exzellente theatralische Umsetzung des Konzepts, die  genaue Personenregie überzeugen ebenso wie die hohen musikalischen Qualitäten und lassen an der Ernsthafigkeit und Diskussionswürdigkeit der Produktion kaum eine Zweifel.  Insgesamt ein „Tristan“ der Sonderklasse.

Das Foto von Matthias Horn zeigt Kristinn Sigmundsson (Marke),Peter Seiffert (Tristan),Petra Maria Schnitzer (Isolde)/ c:Deutsche Oper Berlin

nächste Vorstellungen:22./26./30.März/ 3.April

Eine popiges Tanz-Spektakel für die ganz Familie nach dem amerikanischen Kinderbuch-Klassiker  „The Wizard of Oz“  von Lyman Frank Baum (erschienen 1900).  Die turbulente Geschichte der kleinen Dorothy aus Kansas, die von einem Sturm in ein geheimnisvolles Land gewirbelt wird, wo sie die Vogelscheuche ohne Verstand, den Blechmann ohne Herz und den Löwen ohne Mut trifft. Zsammen erleben die Vier auf dem Weg zum Zauberer von Oz, der Dorothy den Weg zurück nach Hause zeigen soll,  allerlei bizarre Begegnungen und Abenteuer, bis besagter Zauberer den drei Freunden von Dorothy Verstand,  Herz und Mut, die sie auf dem Weg zu ihm bewiesen haben, bestätigt und Dorothy selbst wieder zurück nach Hause findet.
Der Choreograph Giorgio Madia zaubert aus der alten Vorlage eine flotte, anderthalb-stündige, hochmodische Tanz-Show in 32 Bildern  -  zu einer musikalischen Collage aus den diversen Tanz-und Jazz-Suiten von Dmitri Shostakovich.  Lustige Video-Einspielungen mischen sich mit kleinen Tanz-Einlagen zur comic-ähnlichen Abfolge aus mal eher  real-komischen, mal surreal-fantastischen Szenen.  Wie von Geisterhand schieben sich weisse Wände über die Bühne, auf denen erläuternde Zeichnungen, Schriften und Piktogramme raffiniert wechseln, während Fantasy-Wesen in popig-grellen Kostüme und schrillen Perücken Dorothy und ihre Freunde in ein schickes Disneyland von heute entführen  – auch eine Schar kess-hüpfender Micky-Mäuse fehlt nicht. Polina Semionova tanzt charmant die kindliche Dorothy im kurzen, rosa Kleidchen, Federico Spallitta scheint als Vogelscheuche ein Mann ohne Knochen zu sein,  der Blechmann von Artur Lill stapft in seiner Silberrüstung mit gravitätischer Beweglichkeit umher  und Vladislav Marinov tummelt sich mit riesig-gelber Mähne als erst feiger und dann mutiger Löwe ganz virtuos mal durch schwarze Wälder, mal durch rote Mohnfelder. Am Ende erscheint dann Vladimir Malakhov im weissen Trikot: zunächst als damönischer, dann als schrullig-kluger Zauberer, der die Geschichte von Dorothy und ihren drei Freunden zum glücklichen Ende und einer umjubelten Luftballon-Schlacht mit dem Publikum führt.
Ein gefällig-modischer Unterhaltungs-Spass für die Kids von heute und deren Eltern – kein herzerwärmendes Ballett-Märchen aus alten Zeiten,  sondern eine perfekt-glatte  und aufwendig-fantasievolle Tanz-Revue – ebenso schick wie ‚cool‘.

Foto: Enrico Nawrath/Staatsballett

nächste Vorstellungen: 18./ 23./ 27.März/ / 01./ 18./ 20./ 21.April 2011

Nur ganz grosse Opernhäuser können sich Inszenierungen von Hector Berlioz‘ monumentalem Musikdrama leisten: zu anspruchsvoll sind die Anforderungen an alle Beteiligten, an Sänger, Musiker, Ausstatter und Technik. Auch in Berlin wurde  – laut der Programmbeilage -  das Werk bisher nur ein einziges Mal aufgeführt: 1930 in der damaligen Staatsoper.  Jetzt hat sich der neue Generalmusikdirektor der Deutschen Oper Donald Runnicles dieser fünfaktigen ‚Grand Opera‘ mit grossem Erfolg angenommen – zumindest, was die musikalische Seite betrifft. Er kostet die riesige Partitur um den Untergang Trojas und die Flucht des Helden Äneas nach Karthago und Rom  voll und mit viel Fingerspitzengefühle aus:  er lässt die Militär- und Triumph-Märsche donnern, heizt das dramatische Feuer in Troja kräftig an, verleiht den Meeres-Wellen am lieblichen Strand von Karthago lyrischen Schimmer, steigert den Liebestaumel von Äneas und Dido ins Rauschhafte – klangschön vom Orchester unterstützt. Vorzüglich auch die Koordination mit den gewaltigen, auf der Bühne hin und herflutenden Chormassen (fabelhaft einstudiert von William Spaulding) und dem gut ausgesuchten Sänger-Ensemble, das bis auf die drei Hauptpartien, aus vorzüglichen Kräften des Hauses besteht. International – und deshalb entsprechend der jeweiligen Aufführungsserie unterschiedlich – besetzt sind die Rollen der Kassandra, die entsetzt den Untergang Trojas voraussieht und sich selbst tötet, bevor sie den griechischen Soldaten in die Hände fällt  (in diesem März : mit schönem Mezzo Anna Caterina Antonacci) sowie die Rolle der karthagischen Königin Dido, die sich in Äneas verliebt, aber nach seiner Ab- und Weiterfahrt den Scheiterhaufen betritt (sich  äusserst dramatisch steigernd: Daniella Barcellona). Als stimmgewaltiger Äneas präsentierte sich (bisher in allen Vorstellungen) der Brite Ian Storey – mit kraftvollen Spitzentönen, aber einer unausgeglichenen, unflexiblen Mittellage. Kurz : eine hörenswerte, überzeugende musikalische Leistung der Deutschen Oper.
Schwachpunkt dagegen ist die Inszenierung von David Pountney, dem derzeitigen Intendanten der Bregenzer Festspiele. Ein paar effektvolle Tableaus, einige Ideen wie die geschickte, optische Verklammerung des Todes von Kassandra und Dido – jeweils im Mittelpunkt eines senkrecht sich aufstellenden Gitter-Rings – und hinter der umsinkenden Dido erscheint dann am Ende Kassandras Gestalt. Ansonsten stehen die Sänger meist herum, Schleier-Vorhänge öffnen und schliessen sich, rauschen hoch und nieder und eine 14-köpfige Tanz-Truppe exekutiert Aerobic bis zur Lächerlichkeit. Ein auch in den Kostümen ziemlich fad und lieblos ausgefallenes Antiken-Drama, rot-schwarz in den Troja-Akten, lindgrün-hellgelb in Karthago.
Schade, dass die effektvolle Darstellung der Musik so gar keine ansprechende, szenische Interpretation findet.

Foto: Matthias Horn/ Deutsche Oper   Premiere: 05.12.2010

nächste Vorstellungen: 11. und 20.März 2011

Einen Namen hat er nicht, er ist einfach der alte, über 80jährige Schauspieler, der fast vereinsamt in einer schäbigen, kleinen Wohnung haust: abplätternde Wand-Farbe, ein Bett, ein Tisch, ein Kühlschrank, Stühle, ein Spiegel, ein Tonband. Durch das seitliche hohe Fenster dringt taghelles Sonnenlicht, das den Schatten des Schauspielers auf der gegenüberliegenden, kahlen Wand tanzen lässt. Er grummelt vor sich hin, erzählt von seine grossen Erfolgen in Duisburg oder Bochum, er kramt die Königskrone, die er einst als Richard III. trug aus der Kiste, er labert über seine geliebt- und gehassten Hausgötter Shakespeare und Schopenhauer. Zweimal in der Woche kommt ein kleines Mädchen, lieb, aber einsilbig, und bringt ihm eine Kanne frischer Milch – die er jedoch sofort nach ihrem Weggang ins Klo schüttet. Ein alter, bizarrer Kauz, sich immer mehr von der Welt abschottend, der mit ausladender, lebens-erinnernder Geste seinem Sterben entgegegen stolpert.
Thomas Bernhard hat dieses kleine Stück, das ganz ohne vergangene Nazi-Greuel, Familien-Scheusslichkeiten oder Österreichbeschimpfungen auskommt, vor 25 Jahren für Bernhard Minetti zu dessen 80.Geburtstag geschrieben. Jetzt hat es Claus Peymann, der berühmteste aller Bernhard-Regisseure, zu dessen 80.Geburtstag (würde er noch leben) neu in Szene gesetzt: mit Gerd Voss, seinem einstigen Richard III., und mit dem alten Bühnebild-Freund Karl-Ernst Herrmann. Ein Abend, der noch einmal die Grösse und Bedeutung der einstigen Theater-Weggefährten erkennen lässt, jener grossen und wichtigen Epoche des deutschen Theaters in Stuttgart, Bochum oder Wien.
Bernhard Minetti war dieser alte, mümmelnde Schauspieler – Gerd Voss spielt ihn, zeigt mit verblüffender Virtuosität die dargestellte Figur und gleichzeitig wie er sie ‚herstellt‘ – ein Balance-Akt, der verhindert, dass der Fast-Monolog ins Über-Eitle oder Larmoyante abgleitet. Peymann unterstützt ihn dabei ebenso dezent wie effektiv. Unsentimental, doch anrührend ist die Szene mit dem kleinen Mädchen, wirkungsvoll das Spiel mit dem (Fenster-)Licht oder dem Spiegel, komisch, wenn er den Nachtopf ausleert, aber schusselig sich die Restflüssigkeit über den Kopf schüttet und mit der Schlafanzugshose abtrocknet. Allerdings können auch Peymann und Voss bei all der Raffinesse ihrer Kunst nicht verhindern , dass das knapp zweistündige Stück im letzten Teil etwas langweilig zu werden droht.
Dennoch: ein schöner Abend, klug gestaltet, virtuos gespielt – auch wenn die verblüffend-neue, subversive Stoss-Kraft des Bernhard’schen Theaters von einst jetzt dank altersmildem Glanz doch sehr besänftig erscheint.

Premiere: 18.02.2011

Foto: Monika Rittershaus/ Berliner Ensemble

Maxim Gorki schrieb sein vieraktiges Drama „Kinder der Sonne“ 1906 im St.Petersburger Gefängnis vor dem Hintergrund revolutionärer Aufstände gegen das Zaren-Regime. Es spielt im Hause eines Wissenschaftlers und verbindet Liebesverwirrungen mit Diskussionen über die politischen und gesellschaftlichen Zustände der Zeit. Eine intellektuell mit sich selbst beschäftigte Mittelschicht vor dem Hintergrund heraufziehender Katastrophen.
Der Regisseur Stephan Kimmig und sein Team haben das Stück auf knapp zwei (pausenlose) Stunden zusammengestrichen und in die Gegenwart verlegt. Dabei werden besonders die komischen Aspekte des Aufeinanderprallens verschiedener Liebesbeziehungen und gesellschaftlich-moralischer Vorstellungen betont – in einer trocken-sloppen Neu-Übertragung voll sarkastischer Anspielungen und ironischer Hinzufügungen. Dies funktioniert erstaunlich gut bei den ehelichen und sonstigen Gefühls-Verwirrungen, bleibt aber in den gesellschafts-kritischen Auseinandersetzungen und Visionen recht literarisch-blass.
Seine Lebendigkeit gewinnt der kurze Abend vor allem durch ein Ensemble exzellenter Schauspieler, allen voran Ulrich Matthes in der Rolle des mit seiner Gen-Forschung verheirateten Professors, Nina Hoss als an seiner Nichtbeachtung leidender Ehefrau und Alexander Khuon als vergeblich um die Liebe der jungen Schwester des Professors ringender Tierarzt. Sven Lehmann verblüfft in der Rolle eines Künstlers mit kabarettistischen Reimereien.
Katja Hass hat einen abstrkten Bühnen-Einheitsraum aus aufrecht stehenden, schmalen Leisten und Neonröhren gestaltet, die Darsteller tragen heutige Freizeitkleidung. Der alte Gorki scheint hier fast  die Handschrift eines vorweggenommenen Botho Strauss zu gewinnen : statt einem bewegendem Drama mit politischem Pathos -eine neuzeitlich-intellektuelle Beziehungs-Komödie. Durchaus unterhaltsam.

Premiere: 15.10.2010

Foto: Arno Declair /Deutsches Theater