Elegantes Seelendrama: „Romeo et Juliette“ im Staatstheater Cottbus****
Die Oper „Romeo et Juliette“ des franzoesischen Komponisten Charles Gounod (Urauffuehrung 1867 in Paris) findet sich nur selten auf deutschen Spielplaenen. Umso verdienstvoller, dass das Cottbuser Theater diese Kostbarkeit seinem Publikum jetzt in einer ausserordentlich gelungenen Inszenierung vorstellt.
Gounod und seine Librettisten Jules Barbier und Michel Carre folgen zwar weitgehend der beruehmten Shakespeare-Tragoedie, setzten aber andere Akzente. Das Liebespaar steht beherrschend im Zentrum, Neben-Handlungen und -Figuren sind gestrichen oder verknappt; Vater Capulet repraesentiert allein die zwei verfeindeten Familien, Tybald’s Tod erfolgt fast nebenbei, – dafuer bekommt Romeo’s Diener ein sehr huebsches kleines Couplet – und auch Pater Laurent tritt nur kurz (und soweit wie es der Handlungsablauf erzwingt) in Erscheinung. Die gesellschaftlichen Momente spielen keine wesentliche Rolle, es geht vor allem um die Gefuehle der jungen Liebenden, die in vier grossen, weitausschwingenden Duetten ihre Emotionen verstroemen – wobei Gounod den beiden im Gegensatz zu Shakespeare noch eine letzte lyrische Verklaerung im gemeinsamen Anblick des Todes goennt: toujours l’amour.
Intendant Martin Schueler laesst die Story in leicht stilisierten, geschickt ausgeleuchteten Bildern ablaufen. Ein paar Requisiten deuten die jeweiligen Raeume an – Ballsaal,Strasse,Kirchengruft – , die Kostueme sind elegant, aber zeitlos: dunkle Roben fuer die Damen, schwarze Anzuege fuer die Herrn – nur Julia erscheint in leuchtendem Rot oder strahlendem Weiss. Dazu eine klug-ausgefeilte Personenregie – so vital, beweglich und ueberzeugend sieht man Saenger selten gefuehrt, wobei die Koerpergestik ganz aus dem musikalischen Geschehen heraus entwickelt wird – ob es sich um effektvolle Chor-Auftritte handelt oder die intimen Begegnungen des Liebespaares.
Auch musikalisch ueberzeugt die Auffuehrung, die ueberwiegend in franzoesischer Sprache gesungen wird – was dem spezifischen Klang der Musik sehr zu Gute kommt. Nur die Rezitative bleiben Deutsch – ein Zugestaendnis an’s laendliche Publikum ?
Chef-Dirigent Even Christ und das Orchester musizieren stehts geschmeidig und flexibel, machen das emotionale Drama klangsinnlich erfahrbar. Chor und Solisten gestalten mit unterschiedlichem Geschick, aber insgesamt zutreffend ihre jeweiligen Rollen.
Hervorragend aber Anna Sommerfeld, eine temperamentvolle, mehr dramatische als lyrische Julia, und Jens Klaus Wilde, ein Romeo mit schoenem, hell timbriertem franzoesischen Tenor-Klang. Ihr Spel, ihre Arien und Duette werden vom Publikum zu Recht mit grossem Beifall gefeiert.
Ein anregend-sehenswerter Opern-Abend im huebschen Jugendstil-Theater von Cottbus.
Foto: Staatstheater Cottbus/Marlis Kross
naechste Vorstellungen: 31.10. / 14.11. / 25.12. / 13.1.
Champagner-Stimmung unter den Linden: eine grosse Verdi-Oper, dirigiert von Daniel Barenboim und mit Super-Star Placido Domingo in der Titelrolle – das heisst hoechste Attraktivitaet fuers Berliner Publikum - dementsprechend sind bereits alle folgenden Vorstellungen ausverkauft – und das zu (fuer Berliner Veraeltnisse) hohen Preisen. 
Ort der Handlung: ein armes Dorf im norddeutschen Flachland. Zeit: kurz vor und waehrend des 1.Weltkrieges. Es beginnt mit einem Reitunfall des Arztes – irgendwer hat eine feine Schnur gespannt, dass das Pferd straucheln musste, kurz danach ist die Schnur verschwunden. Weitere raetselhafte Unfaelle und schlimme Vorkommnisse folgen in knappem Abstand: eine Baeuerin wird im Saegewerk toedlich verletzt, der Sohne des Gutsherrn im Wald gefesselt und geschlagen, eine Scheune brennt ab, der behinderte Sohn der Hebamme graesslich misshandelt, ein Baby eisiger Kalt-Luft ausgesetzt – und nie findet sich ein Taeter. Doch immer spielt eine Schaar Kinder eine merkwuerdige Rolle. Sie scheinen etwas mit den Ereignissen zu tun zu haben, bleiben aber meist stumm oder abweisend: die Kinder des Pfarrers, des Verwalters, des Arztes. Zu Hause werden sie streng erzogen, weisse Baender mussen sie als Zeichen der Tugend tragen – doch die repressive Erziehung macht sie zwar gefuegig, aber innerlich boese und gemein. Allmaehlich enthuellt sich die gesamte Dorfgemeinschaft als eine wahre Buechse der Pandora: bigott, brutal, sadistisch und pervers. Nur der junge Lehrer – der gleichzeitig auch als Ezaehler aus dem Off dient – und das junge Kindermaedchen der Gutsherrin, in das er sich verliebt, sind freundliche, liebenwerte Menschen – aber beide stammen nicht aus dem Dorf und verlassen am Ende seine Gemeinschaft. 
Ein duesterer, von zwei riesigen Falken-Statuen beherrschter Vorsaal, der Kaiser, im feschen Lodenjankerl, bricht zur Jagd auf, waehrend die Kaiserin, Tochter eines Geistes, in fliessend-weissem Gewand um ihren fehlenden Schatten, dem Zeichen ihrer Kinderlosigkeit, bangt. Doch die Amme, hochgesteckte Silberfrisur, strenges dunkles Schneiderkostuem, weiss Rat: der unbefriedigten Faerbersfrau soll deren Schatten abgehandelt werden. Deshalb Ehedrama im proletarisch-armen, niedrig-schmalen Raum zwischen dem gutmuetigen Faerber und seiner blonden Frau, die keine Kinder will. Nach langem Hin und Her (und drei langen Akten) Versoehnung in einer fahlen Mondlandschaft zwischen beiden Paaren, dem hohem und dem niederen, nachdem die intrigante Amme zuvor noch mit einem schnellen Pistolenschuss beseitigt wurde. Allgemeiner Jubel ueber das Glueck der Mutterschaft…
Weil der Schwertkaempfer Quyang Feng sich seiner Geliebten nicht zu erklaeren wagte, verlor er sie an seinen Bruder. Er verliess seine Heimat und haust seitdem in der grossen Wueste, wo er seinen Lebensunterhalt durch das Vermitteln von Auftragskillern bestreitet. Jedes Jahr im Fruehjahr bekommt er Besuch von einem jungen Krieger, der sich aber in diesem Jahr fuer immer verabschiedet, indem er ihm eine Flasche Schnaps ueberlaesst: eine Art Zaubertrank, der die Erinnerung an die Vergangenheit loescht. Doch Quyang Feng huetet sich, davon zu trinken, arbeitet vielmehr weiter an einem komplizierten Racheplan…