Aus Henrik Ibsens berühmten Schauspiel vom Träumer, Aufschneider und lebenslangen Ich-Sucher Peer Gynt und der dafür komponierten Musik von Edvard Grieg hat der Züricher Chef-Choreograph Heinz Spoerli 2007 ein abendfüllenndes Handlungsballett für sein Hausensemble choreographiert und dies nun mit dem Berliner Staatsballett neu einstudiert.
Geschickt rafft und konzentriert Spoerli das dramatische Gedicht von Ibsen, konzentriert sich ganz auf die Figur des Peer und seiner Suche nach sich selbst und ergänzt die Schauspielmusik von Grieg um zeitgenössische Töne von Brett Dean und Mark-Anthony Turnage (gut gespielt vom Orchester der Deutschen Oper unter Robert Reimer). Auf ausladende Show-Szenen bei Peers Reise durch die Welt wird ebenso verzichtet wie auf vordergründige, nordische Folklore. Peer ist bei Spoerli (und in der betont schlichten Ausstattung von Florian Etti) fast ein moderner junger Mann, der die verschiedenen Seiten seiner Persönlichkeit entdecken möchte – auf der Bühne spaltet sich die Figur deshalb auf in einen Tänzer (Vladimir Malakhov) und einen Schauspieler (Sebastian Hülk), der einige wichtige Monologe, die Peers tiefere Gedanken enthüllen, rezitiert.
Der erste Teil des gut zweistündigen Abends spielt vor blauem Himmel im bergigen Norwegen, schildert die Begegnung mit der mädchenhaft-schüchternen  Solveig, die turbulente Hochzeitsfeier und den Brautraub Ingrids. Dann trifft Peer die eierköpfigen Drolle mit ihrem wild-wirbelnden Bergkönig und dessen attraktiver Tochter, und er erlebt schliesslich den Tod seiner ihn stets etwas spiessig betüttelnden Mutter. Der zweite Teil spielt zunächst in der Wüste, der Bühnenboden ist nun mit goldgelbem Sand bedeckt: hier erliegt Peer den Lockungen der Beduinen-Schönheit Anitra, wird zum reichen Mann und steigert sich in den Wahn, Kaiser zu sein, bis er im Irrenhaus von Kairo landet. Am Ende kehrt er nach Norwegen zurück und stirbt in den Armen der inzwischen ergrauten Solveig.
Auch choreographisch mischt Heinz Spoerli elegant die Stile, benützt den klassischen Spitzenschuh ebenso wie expressive Körpergestik. Mitreissende nowegische Tänze kontastieren mit mehreren ausschwingenden Pas-de-deux zwischen Peer und Solveig oder den bühnenbeherrschenden, hohen Wirbelsprüngen des strubbel-köpfigen Bergkönigs. Voll schöner Melancholie geprägt sind die letzten Szenen, wenn die Sängerin Martina Welschenbach -  im Halbdunkel neben der Tänzerin der Solveig -  deren berühmtes Wiegenlied mit klarer Stimme erklingen lässt.
Das Ensemble des Staatsballetts präsentiert sich in bester Form,  erste Solisten wie Polina Semionova (Anitra), Dinu Tamaslacaru (Bergkönig), Beatric Knopp (seine Tochter) oder Leonard Jakovina (Tod) verkörpern die kleineren Rollen mit hoher Perfektion. Nadja Saidakova überzeugt als treu ausharrende Solveig, anrührend und ohne jede falsche Sentimentalität. Nur Vladimir Malakhov als Peer bleibt seiner komplexen Rolle einiges schuldig: nicht tänzerisch, aber als Darsteller. In seinem schlichten Anzug wirkt er eher wie ein lieber Lausbub, der mal ausbüxt – den grossen, kraftvollen Kerl, der die ganzen Welt auf der Suche nach sich selbst – auch intellektuell – durchstreift, nimmt man ihm kaum ab.
Kein ganz grosser Wurf, aber ein gefälliger, klug gestalteter Abend mit vielen tänzerischen Glanzlichtern.

Foto: Bettina Stöss/ Staatsballett

nächste Vorstellungen (teilweise in veränderten Besetzungen): 25./28./29.November/ 2.Dezember 2011

Zuerst wird das riesige Foto eines grünen Laubwaldes auf die Rückwand projeziert, dann schieben Bühnenarbeiter in roten Overalls grosse Museums-Vitrinen herein, darin kleine Modelle dörflicher Stuben oder einer Kirche, manchmal auch putzig ausgestopfte Tiere: Kühe und Hirsche mit (elektrisch) leuchtenden Äuglein. Dazu in zwei schmalen Glas-Kästen Marenka und Jenik, das Liebespaar, in pompös-ausladenden Volkstrachten, bestaunt vom herumwieselnden Chor in bäuerlichen Kittelschürzen und groben Joppen. Staunend steht der junge, schlanke Vasek in Jeans und kariertem Hemd daneben – ein Stotterer und Aussenseiter.
In dieser kuriosen Museums-Kulisse siedelt der ungarische Regisseur Balazs Kovalik Smetanas populäre Oper von der listig verkauften Braut und deren derb-draller Sippschaft an. Mit allerlei szenischen Einfällen, den ständig hin- und hergeschobenen Vitrinen, aus denen die Figuren mal heraus und dann wieder hineinklettern, und mit einer Unmenge bunt zusammengewürfelter Kostüme  – vom schlichten Folklore-Jankerl bis zum glitzernden Luxus-Dirndl -  überschüttet der Regisseur das verwirrende Spiel um Liebe, Eifersucht, Habgier und Geld. Was er erzählen will, bleibt unklar: eine schräge Folklore-Operette, einen satirischen Komödien-Stadl oder gar ein böses Psycho-Drama im bäuerlichen Milieu?
Am Ende – während der Chor beim fröhlichen Rundgesang im Takt lustig mitwippt – stehen die Hauptpersonen wie begossene Pudel herum: ein ratloser Jenik sitzt am Boden, Marenka starrt verzweifelt und von ihm abgewandt in eine leere Vitrine und Vasek ballert mit einem Gewehr herum…    Kritisches Volks- oder albernes Regie-Theater?
Musikalisch wird – der dörflichen Szene entsprechend – Hausmannskost serviert. Dirigent Karl-Heinz Steffens, Ex-Philharmoniker in zweiter Karriere, stetzt auf flotte Tempi und profitiert von farbig gespielten Details der Staatskapelle, beim Chor gibt’s (noch?) ein paar Wackler und die Solisten bieten eher durchwachsene Leistungen. Am überzeugensten: Florian Hoffmann als schlacksiger Vasek mit hellem, klaren Tenor und schönem Bühnentemperament. Anna Samuil’s Marenka  sieht hübsch aus in ihren modisch schicken Kleidern, forciert aber ihre Spitzentöne ins Grelle, Burkard Fritz punktet als Jenik mit kräftigem Heldentenor, lyrischen Passagen sind jedoch nicht seine Stärke. Pavlo Hunka ist der düpierte Heiratsvermittler Kecal: ein Beamter im dunklen Anzug, mit dicker Brille und schwarzem Bass.
Gesungen wird in deutscher Übersetzung, verständlich gelingt das allerdings nur dem alten Bühnen-Recken Reiner Goldberg in der winzigen Rolle des schlauen Zikusdirektors; bei allen anderen helfen nur die deutschen Übertitel.
Kein überzeugender Abend – trotz Smetanas wunderbarer Musik.

Foto: Bernd Uhlig/Staatsoper Berlin

nächste Vorstellungen:22./ 26./ 30.November/  2./ 5.Dezember 2011

Im Frühjahr 1958 erhält der damals schon berühmte, amerikanische Maler Mark Rothko (1903-1970) das Angebot, Bilder für ein Nobel-Restaurant im neuesten New Yorker Wolkenkratzer, dem Seagram-Building (Architekten: Philip Johnson und Mies van der Rohe), zu malen. Rothko schafft speziell für diesen im Enstehen begriffenen Raum eine Serie grossformatiger, abstrakter Werke, überwiegend in Rot. Doch im letzten Augenblick tritt er – aus nicht ganz geklärten Gründen – von dem Auftrag zurück. Jahre später stellt er acht der Werke im MoMa anlässlicher einer Retrospektive aus, heute befinden sich die Bilder (dank einer Schenkung) in der Londoner Tate Gallery.
Aus dieser Episode hat der amerikanische Film- und Theater-Autor John Logan ein spannendes Zwei-Personen-Kammerspiel entwickelt, in dem Mark Rothko während der Arbeit an diesen sogenannten ‚Seagram Murals“ mit seinem (erfundenen) Assistenen Ken über das Wesen, den Sinn und die Bedeutung – zunächst der Malerei, und dann der Kunst überhaupt diskutieren. Ken, selbst ein junger Maler, erweist sich – nach anfänglicher Unsicherheit dem berühmten, sehr cholerischen Rothko gegenüber – im Lauf der Zeit als ein gelehriger Schüler, der im Lauf der Arbeit dem Meister kräftig Paroli zu bieten lernt. Bald geht es nicht nur um Kunst, sondern auch um Fragen, wie sich ein Künstler zum Leben, der Politik, der Gesellschaft verhält oder verhalten sollte.
Bilder nur als Dekoration für reiche Snobs beim Luxus-Dinner? Darf der Künstler das verantworten? Welche Bedeutung haben Geld und Ruhm überhaupt für ihn? Aber auch menschlich geraten der egozentrische Rothko und der junge Ken, den er als Maler überhaupt nicht wahrnehmen will, heftig aneinander. Zwei Generationen stehen sich gegenüber: der junge, aufstrebende Künstler, der Neues sucht, und der renommierte, reife Maler-Star, der seine Sicht auf Welt und Kunst weder aufgeben will noch kann.
Regisseur Thorsten Fischer hat den wortreichen, geistigen Zweikampf der beiden unterschiedlichen Künstler geschickt und temporeich inszeniert – auf der weit offenen Bühne, die das Atelier des Malers mit seinen riesigen Staffeleien und halbfertigen Bildern zeigt. Dominique Horwitz spielt Rothko als einen hochgebildeten, selbstbezogenen, dennoch unbestechlichen Künstler, faszinierend und arrogant zugleich. Der noch junge Benno Lehmann als Ken wirkt zuerst wie ein braver Schulbub im schwarz-korrekten Anzug, entwickelt sich aber im Lauf des anderthalb-stündigen Stückes zu einem temperamentvoll-aufmüpfigen Widerpart, wenn letztlich auch nur als netter Stichwortgeber für den brillanten Rothko-Horwitz.
Ein (auch ohne Kunst-Vorkenntnisse) ebenso vergnüglicher, wie intelligenter Theater-Abend – mit einigen Einschränkungen gegenüber der deutschen Übersetzung, die im Ton gelegentlich allzu literarisch wirkt gegenüber der flüssigeren amerikanischen Originalsprache.

nächste Vorstellungen: 5.u. 6./ 26 . – 30.November / 2.u.3.Dezember 2011