Ein melancholisch-bunter Berlin-Film, gänzlich in Schwarz/Weiss gedreht – ein Tag im Leben des Niko Fischer. Niko, Lebensalter etwa Ende Zwanzig, hat sein Jura-Studium vor einiger Zeit geschmissen und bummelt seitdem durch die Berliner Tage und Nächte, wechselt Wohnungen und Freundinnen, immer auf der Suche nach seinem Platz im Leben, in der Gesellschaft, getragen von einer melancholischen Freundlichkeit – auch wenn es wie an diesem Tag, den der Film schildert, immer wieder zu kleineren und grösseren Katastrophen kommt.
Zunächst trennt sich, verärgert über seine etwas nölige Unentschlossenheit, seine Freundin von ihm, dann verweigert der Polizei-Psychologe ihm die Rückgabe des Führerscheins wegen „emotionaler Unausgewogenheit“, ein Nachbar belästigt ihn mit wenig schmackhaften Fleischbällchen und Ehefrust und dann schluckt der Geldautomat auch noch seine EC-Karte. Als er deshalb seinen reichen Vater aufsucht, der gerade auf einem Golfplatz seine Sportlichkeit demonstriert, eröffnet ihm dieser mit herablassend-ironischer Mine, dass er durch Zufall von Nikos Studienabbruch erfahren hat und er ihm deshalb den monatlichen Scheck sperren wird.
Bei der anschliessenden Rückfahrt mit der S-Bahn wird Niko ohne Fahrschein erwischt, ein Freund nimmt ihn mit zum Dreh eines rührseligen Films über die Love-Story zwischen einem Nazis und einer Jüdin, eine ehemalige Schulkameradin läd ihn zu einer abendlichen Off-Theater-Performance ein, in der sie mitspielt, wobei es bei der anschliessenden Premierenfeier zu unangenehmen Auseinandsersetzungen kommt, samt Schlägerei und missglücktem Sex-Quickie, und dann trifft Niko noch spät in der Nacht in einer Kneipe einen alten Berliner, der erzählt, dass er in der Nazi-Progromnacht die Scheiben dieses Lokals eingeworfen hat. Als dieser Unbekannte kurz darauf zusammenbricht, fährt Niko im herbeigerufenen Notarztwagen mit und verbringt wartend die Nacht in der Charité. Als der Morgen graut, sieht man als letztes Bild, Niko nachdenklich in einer Cafébar sitzen, draussen rattert die Hochbahn vorbei…
Es ist erstaunlich wie überzeugend dem jungen Regisseur Jens Ole Gerster sein erster Langfilm gelingt: authentisch, spannend, raffiniert montiert, musikalisch stimmig untermalt und typengenau besetzt. Tom Schilling’s Niko ist ein ruhiger Softie, der mit wachen Augen seine Umgebung vorurteilslos mustert, oft zögerlich reagiert, aber – wenn’s drauf ankommt – auch Mumm beweist: das treffliche Portät eines – auch sprachlich – noch unsicheren jungen Mannes im Berlin von heute. Auch die überigen Darsteller, darunter Ulrich Noethen und Michael Gwisdek, brillieren in ihren meist kurzen Begegnungen mit Niko : Typen der Grossstadt, witzig, schräg, liebenswert oder abstossend.
Die gelegentliche Nähe zum Klischee wird geschickt umschifft und vom flotten Tempo des Films überspielt. Besonders schön: die immer wieder eingestreute Bild-Sequenzen der pulsierenden Stadt mit ihrem brausenden Verkehr und ihren leuchtenden Hochhausfasaden, die die einzelnen Episoden stimmungsvoll gliedern im Leben dieses modernen ‚Taugenichts‘.
Ein intelligenter, kleiner Film nicht nur für Berlin-Fans!

Poster/Foto: X Verleih

Filmstart war der 1.November 2012, zu sehen ist er noch täglich: Hackesche Höfe Kino; Kant-Kino;  Einzel-Termine: Casablanca; Filmtheater am Friedrichshain; Sputnik

Keine filmische Biographie über Alfred Hitchcock (1899-1980), sondern die Entehungsgeschichte seines komerziell erfolgreichsten Werkes „Psycho“ im Jahr 1959. Hitchcock war damals 60 Jahre alt, lebte mit seiner Frau Alma in einem komfortablen Haus in Hollywood, ein erfolgreicher und angesehener Regisseur von über 40 Filmen. Doch jetzt bekam er Schwierigkeiten mit seinem neuen Projekt, der Roman-Verfilmung „Psycho“, einem düsteren Kammerspiel um einen schizophrenen Mörder in Schwarz/Weiss. Die Paramount, seine Produktionsgesellschaft, lehte zunächst ab, der Zensor verweigerte Drehgenehmigungen für einzelne Szenen, sogar seine Frau, sonst die vertrauteste Mitarbeiterin, riet ihm ab. ‚Hitch‘ – wie er von allen genannt wurde – setzte sich jedoch durch, verpfändete sogar sein Haus für die Finanzierung, überredete den Zensor mit raffinierter List und gewann – nach einer gründlichen Überarbeitung des bei der studio-internen Voraufführung noch abgelehnten Films – auf der ganzen Linie :  13 Millionen Reingewinn soll „Psycho“ eingespielt haben.
Regisseur Sacha Gervasi („Anvil“) hat dieses ‚Making of … ‚ mit (erfundenen?) Eheproblemen zwischen Hitchcock und seiner Frau verknüpft. Alma, mit der er seit seinen ersten Filmen im England der 1920er und 30er Jahre als Cutterin und Drehbuch-Autorin eng zusammenarbeitete, fühlt sich von der Arbeit an „Psycho“ ausgeschlossen, beginnt stattdessen mit einem befreundeten Autor an einem eigenen Drehbuch zu arbeiten. Ausserdem ärgert sie sich über den Hang ihres Mannes zu seinen blonden Darstellerinnen, er wiederum wird eifersüchtig und unterstellt Alma ein Liebesverhältnis mit ihrem Co-Autor. Natürlich löst sich alles am Ende in neuer (Ehe-)Harmonie auf – ganz im Gegensatz zum grausigen Schluss von „Psycho“.
Diese private Liebes- und Ehe-Story – was immer an ihr stimmen mag – wirkt sehr konventionell und vorhersehbar, während der Produktionsprozess und die Entstehungsgeschichte von „Psycho“ einige interessante Einblicke in die damaligen Verhältnisse der amerikanischen Filmindustrie geben und auch ein paar weniger bekannte Seiten der Persönlichkeit Hitchcocks schildern – wenn dabei auch nicht allzu tief geschürft wird, und immer die Regeln des heutigen Mainstream Hollywoods die Grenzen setzen. Am gelungensten ist die Szene, die Hitchcock zeigt, wie er bei der Premiere von „Psycho“ im Foyer den Erschreckensrufen und Schreien des Publikums im Saal lauscht und diese stakkatoartige Laut-Kulisse wie ein tanzendes Rumpelstilzchen dirigierend begleitet.
Als Protagonisten des in opulenten Bildern inszenierten Films sind zwei berühmte britische Schauspieler aufgeboten: Anthony Hopkins und Helen Mirren. Hopkins ahmt vor allem sprachlich den herablassend-näselnden Tonfall und den trocknen-bissigen Humor seines Vorbilds überzeugend nach, darstellerisch erstickt er aber fast unter seiner volominösen, äusseren Körper- und Gesichts-Maske. Helen Mirren, eine ebenso elegante wie taffe Alma, zieht sich mit professioneller Routine aus der tatsächlichen oder gespielten Affäre. Mit hübschem Witz: Scarlett Johansson als superblonde Janet Leigh, verblüffend James D´Arcy als Anthony Perkins.
Hitchcock, eigenwillig-genialer Gross-Meister des amerikanischen Kinos – diesmal eingedampft
als freundlich-unterhaltende Mainstream-Produktion – gut drei Jahrzehnte nach seinem Tod.

Poster/Verleih: Deutsche Fox

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Hackesche Höfe (OmU); Odeon (OmU); Rollberg-Kino (OmU); Adria; Blauer Stern; Cinema Paris; CinemaxX Potsdamer Platz; Filmtheater am Friedrichshain; International; Kulturbrauerei; Yorck; Thalia in Potsdam

Margot und Lou, ein junges Paar, seit 5 Jahren glücklich verheiratet, noch kinderlos, wohnen in einem hübschen Vorort-Häuschen im kanadischen Toronto. Sie betätigt sich als Reiseschriftstellerin, er testet Rezepte und schreibt Kochbücher. Freundlich unkomplizierter Alltag mit gelegentlichen Besuchen von oder bei Verwandten und Freunden. Als der Kunstmaler Daniel, der sich seine Miete als Rikscha-Fahrer verdient, eines Tages als neuer Nachbar auftaucht, beginnt es unter der idyllischen Oberfläche zu brodeln: Margot fühlt – zunächst ganz unbewusst – , dass in ihrer Ehe etwas fehlt, dass ihre Beziehung zu dem gutmütigen Lou sich ändert. Doch auch als ihr klar wird, dass sie sich in Daniel heftig verliebt hat, will sich keine Entscheidung treffen zwischen den beiden Männern. Erst als der Künstler entäuscht in ein anderes Wohnviertel zieht, verlässt Margot ihren verdatterten und ratlosen Ehemann, zieht zum Geliebten. Am Schluss des Films jedoch sitzt Margot in der Karusell-Gondel eines Vergnügungsparkes, in der sie einst, als sie noch mit Lou zusammen lebte, mit Daniel einen glücklichen Nachmittag verbracht hatte  – jetzt ganz allein. Bedeutet dies das Ende des Verhältnisses mit Daniel?
Es sind ganz normale Leute, die die kanadische Regisseurin (und Schauspielerin) Sarah Polley porträtiert, junge Durchschnitts-Bürger des gehobenen Mittelstandes – auch wenn das soziale Umfeld in seiner Beschreibung etwas vage bleibt. Polley, die auch am Drehbuch mitarbeitete, interessiert sich in erster Linie für die Psychologie ihrer weiblichen Hauptfigur, konzentriert sich auf die inneren Veränderungen, die in der Beziehung der mädchenhaft sanften Margot zuerst zu ihrem Mann Lou, dann auch zum Geliebten Daniel vorgehen. Das ganz allmähliche Bewusstwerden einer Änderung ihrer Gefühls- und Lebenswelt. Gegen die sie sich am Anfang stark wehrt, und die sie nur langsam – auch rational – erkennt und akzeptiert.
Erzählt wird diese innere Wandlung der Gefühle überwiegend in filmischen Ellipsen. Sarah Polley hat sich attraktive Bild-Sequenzen dafür einfallen lasssen, wie beispielsweise die erwähnten Szenen auf dem rotierenden Karusell oder jene exzentrische Kamerafahrt, die Margot und Daniel beim Liebesakt in dessen neuem Loft zur filmtitelgebenden Musik von Leonard Cohens „Take This Waltz“ ständig  umkreist. Und mit jeder neuen Umdrehung füllt sich der Raum mit Möbeln und Requisiten, verändern sich Haltung und Kleider der Personen – schreitet die Zeit fort.
Leider walzt Polley ihre schönen Regie-Einfälle oft allzu sehr aus, so dass der Spannungsfaden lahmt und die Geschichte sich in die Länge zieht.
Das Glück des Films aber sind seine beiden wunderbaren Hauptdarsteller, die aus dem gedanklichen Konstrukt der Story erst echte Menschen machen: Michelle Williams als mädchenhaft unbefangene und zugleich taffe Margot sowie der etwas korpulente Seth Rogen als ihr Ehemann Lou: ein netter, lustiger Kumpel, der zum melancholischen Verlierer wird. Luke Kirby als Künstler Daniel bleibt schön und blass.
Sarah Polleys hat diese Veränderung einer Ehe-Beziehung sehr genau und ohne moralische Wertung beobachtet und einfallsreich in Szene gesetzt – ist dabei aber ins Weitschweifige geraten. Dadurch  mangelt es dem Film an Spannung und dramatischem Biss.

Poster/ Verleih: Kool

zu sehen: Central Hackescher Markt (OmU); fsk (OmU); Bundesplatz-Kino; CinemaxX Potsdamer Platz; Filmtheater am Friedrichshain; Kant-Kino; Passage Neukölln

Der chilenische General und Diktator Augusto Pinochet war sich seiner Herrschaft so sicher, dass er für Oktober 1988 eine Volks-Befragung anberaumte, in der die Bürger über seine Wiederwahl im darauffolgenden Jahr mit „Ja“ oder „Nein“ stimmen konnten. Zugleich sollte mit diesem Referendum die – seiner Diktatur gegenüber kritische – Weltöffentlichkeit besänftigt werden, zumal Pinochet und seine Generäle wegen der unter ihrer Regierung erzielten wirtschaftlichen Prosperität die grosse Masse der Chilenen hinter sich wussten. Da konnte der Diktator es sich sogar leisten, den Oppositions-Parteien täglich 15 Minuten Wahlwerbung im Staatsfernsehn zu erlauben (wenn auch zu nachtschlafender Zeit).
Die Geschichte dieses kurzen, nur ein paar Wochen dauernden, kuriosen Wahlkampfes erzählt der chilenische Regisseur Pablo Larrain, der sich schon zuvor in zwei Spielfilmen mit der politischen Vergangenheit seines Landes auseinandergesetzt hat.
Im Mittelpunkt steht der junge Werbefachmann René Saavedra – ruhig und intensiv verkörpert vom mexikanischen Star-Schauspieler Gael Garcia Bernal („Die Reise des jungen Che“,“La Mala Education“,“Babel“).
Obwohl sein Chef regierungstreu und er eher unpolitisch ist, lässt René sich überreden, die TV-Kampagne für die vereinigten Oppositions-Parteien mitzugestalten. Doch zunächst verstört sein  – nach kommerziellen Werbestrategien organisiertes -  Konzept: dessen Ziel ist nicht die schreckliche Vergangenheit und Gegenwart anklägerisch aufzubereiten, sondern Hoffnung zu wecken auf eine zukünftige, fröhliche Demokratie, ‚allegria‘ heisst hierfür das spanische Zauberwort.
Aber auch persönlich gerät René durch sein Engagement für die Opposition in Schwierigkeiten; der Geheimdienst scheint ihn und seinen bei ihm wohnenden kleinen Sohn zu bedrohen und zu verfolgen. Doch am Ende geschieht das Unwahrscheinliche: seine Kampagne mit dem gekrümmten Regenbogen hinter dem dicken, schwarzen NO, seine Spots mit fröhlich tanzenden und singenden Menschen, gelegentlich unterbrochen von Auftritten verfolgter Politiker oder Dokumentar-Szenen brutaler Polizei-Gewalt, diese – bei vielen der Oppositionellen heiss umstrittenen – Wahl-Sendungen führen zum Sieg und zum (langsamen) Übergang Chiles zur Demokratie.
Im Epilog spielt René – inzwischen Teilhaber in der Firma seines Chefs – neue Werbe-Clips einer gutbetuchten Kundschaft vor – mit wachem, nachdenklichem Blick…
Regisseur Pablo Larrain liess den Film in einem altmodische Video-Format (mit Unschärfen und verwaschenen Farben) drehen, um sie den eingefügteen Original-Dokumenten anzugleichen. Inhaltlich erzählt er seine Geschichte mit komödiantischen oder satirischen Untertönen als sehr unterhaltsamen Polit-Thriller. Ganz wie seine Hauptfigur: nicht anklägerisch, sondern freundlich-listig überredend. Ohne dabei die politische Wirklichkeit der Schreckens-Diktatur Pinochets mit ihren Tausenden Ermorderter, Gefolteter oder Vermissten zu bagatellisieren oder als verharmlosenden Hintergrund zu missbrauchen. Aber ohne agressiv zugespitzte Anklage – wie sie auch viele der Oppositionellen im Film gefordert haben.
Kein Zufall, dass Cannes und Hollywood begeistert waren – wenn auch die diesjährige Oscar-Nominierung als bester fremdsprachiger Film gegenüber Michael Hanekes „Liebe“(Amour) keine Chancen hatte.

Poster/Foto/Verleih: Piffl Medien GmbH

zu sehen:Hackesche Höfe Kino (Sp.OmU); Neues Off (Sp.OmU); Filmtheater am Friedrichshain; Kant-Kino; Passage