Woody Grant, ehemals Mechaniker, jetzt im Ruhestand, lebt mit seiner Frau Kate in der Kleinstadt Billings in Montana. Auch seine beiden erwachsenen Söhne, David und Ross, wohnen in seiner Nähe. Eines Tages erhält Woody den Werbebrief einer Zeitschriften-Agentur, der ihm den Gewinn von einer Million Dollar vorgaukelt. Leicht demenzkrank und dem Alkohol zugeneigt, durchschaut er den Werbetrick nicht. Auch lässt er sich von seiner kopfschüttelnden Familie nicht davon abhalten, den vermeintlichen Gewinn in Licoln/Nebraska – dem Sitz der Agentur – eigenhändig abzuholen. Mehrmals findet ihn die Polizei wandernd auf der grossen Auto-Route, bringt ihn jeweils nach Hause zurück. Da beschliesst Sohn David, mit dem Vater im Auto nach Nebraska zu fahren, um ihn so von seinem Wahn zu befreien. Gleichzeitig will David die gemeinsame Fahrt dazu benutzen, das gestörte Verhältnis zu dem (Zeit seines Lebens) verschlosssenen Vater zu verbessern.
Die Reise von Vater und Sohn durch die weiten, winterlichen Landschaften verzögert sich jedoch durch mehrere komische (Gebissverlust) oder schmerzliche (Sturtzwunden) Zwischenfälle. Ein nicht eingeplanter Stop wird deswegen nötig und Woody besucht so seinen alten Heimatort Hawthorne in Nebraska. Er trifft Verwandte und Bekannte, deren zunächst herzliche Wiedersehensfreude rasch umschlägt in Neid und Gier, als der angebliche Millionengewinn ruchbar wird. Doch sobald die Verwandtschaft merkt, dass das Geld nur in Woodys Vorstellung existiert, müssen Vater und Sohn unter hämischem Gelächter weiterziehen. Erst als in Lincoln die freundliche Dame in der Agentur Woody erklärt, dass die in seinem Brief vermerkte Zahl nicht zu den Gewinnern-Nummern gehört, begreift er langsam und verstört die Wahrheit. Doch David, der inzwischen einen tieferen Einblick in Leben und Charakter seines Vaters gewonnen hat, versteht es geschickt und liebevoll, die Rück- und Heimfahrt  für Woody zu einer kleinen Triumpf-Tour durch seine alte Heimat zu gestalten.
Regisseur Alexander Payne hat dieses Road-Movie zwischen Montana und Nebraska in weichem Schwarz/Weiss gedreht: die weiten, kargen Landschaften, die kleinen Städte mit ihren hellen Holzhäusern, Farmen oder Kneipen, das ärmliche Leben der einfachen Leute. Der strenge Realismus erinnert an alte Western-Filme, die Charaktere der Personen verweisen auf  Hollywoods Kino-Mythen: an den einsamen Helden, an die taffen Frauen, an die ‚bad guys‘.
Es ist ein ebenso melancholischer wie poetischer Blick auf den alt-amerikanischen Traum von der Suche nach Freiheit und Glück – wenn auch in einer tragikomischen Variante.
Ein wunderbares Ensemble vorwiegend älterer Schauspieler lässt die kuriose Reise durch die amerikanische Provinz auf grandiose und zugleich berührende Weise lebendig werden. Bruce Dern verkörpert Woody als eigensinnigen, alten Mann mit schlohweiss abstehendem Haar, doch die klugen Augen zeigen – der Demenz zum Trotz – immer wieder den richtigen Durchblick. Will Forte charakterisiert den Sohn David als sanften Loser, der durch die Erfahrungen dieser Reise mit seinem Vater zu grösserer Selbständigkeit findet. June Squibb ist die bissige, schlagfertige Ehefrau Kate, Stacy Keach ist mit falscher Freundlichkeit ein altgewordener Jugendfreund.
Alexander Payne („Sideways“,“The Descendents“) erweist sich mit diesem feinfühligen „Nebraska“ erneut als einer der bedeutensten Regisseure in der Tradition des unabhängigen Kinos in Amerika.

Foto: Paramount Pictures Germany

zu sehen: Central Hackerscher Markt (OmU); Movimento (OmU); Rollberg (OmU); Capitol; Casablanca

Nach mehrjähriger Abwesenheit kommt der Iraner Ahmad (Ali Mosaffa) nach Paris zurück, um offiziel seine Scheidung von der Französin Marie (Bérénice Bejo) zu unterzeichnen. Denn Marie, die mit ihren beiden Töchtern Lucie und Léa in einem kleinen, etwas heruntergewirtschafteten Haus in einem Pariser Vorort lebt, plant ihren neuen Lebensgefährten Samir (Tahar Ramin) zu heiraten. Allerdings ist Samir, der in Paris ein Reinigungsgeschäft betreibt (neben der Apotheke in der Marie arbeitet) noch verheiratet, und – was die Sache sehr kompliziert – seine Frau hat vor kurzem einen Selbstmordversuch unternommen und liegt seitdem im künstlichen Koma. Aus diesem Grund wohnt Samirs fünfjähriger Sohn Fouad bereits im Haushalt von Marie.
Als Ahmad nun bei seiner Ex-Frau eintrifft, muss er feststellen, dass alle unter heftigstem Stress stehen: Samir wegen seiner komatösen Frau und seinem Sohn, der auf die unklare Situation mit widerborstigem Verhalten reagiert; Marie, weil ihre 16jährige Tochter Lucie sich ganz vor ihr verschliesst und nur noch zum Schlafen nach Hause kommt. Sie bittet deshalb Ahmad, zu ergründen, was mit Lucie los ist. Schnell wird klar, dass Lucie Samir nicht mag und die geplante Heirat strikt ablehnt. Den Grund dafür gibt sie nur zögerlich zu erkennen: sie glaubt nämlich, dass Samirs Frau wegen seines Verhältnisses zu ihrer Mutter sich zu töten versuchte und sie, Lucie, dabei eine Rolle gespielt habe, da sie Liebes-Mails ihrer Mutter unberechtigt weitergeleitet habe. Ob dies tatsächlich der Fall war, oder der Selbstmordversuch aus anderen Gründen erfolgte, bleibt unklar – doch der Familienfriede ist in jeder Hinsicht zerstört, am meisten betroffen sind die Kinder: ob Lucie, Léa oder Fouad.
In seinem davor gedrehten, preisgekrönten Film „Nadir und Simin“ erzählt der renommierte, iranische Regisseur Asghar Farhadi die Geschichte einer schwierigen Trennung (in Teheran). In seinem neuen, in Frankreich verwirklichten Werk schildert er, was nach der Scheidung kommt, und wie schwierig unter Umständen ein solcher Lebens-Neuanfang sein kann. Entscheidend ist im Fall von Ahmad und Marie, dass das Vergangene und dessen belastende Momente nicht bedacht oder gar geleugnet werden. Beispielsweise will in einer Szene Ahmed seiner Ex-Frau erklären, warum er – depressions-geplagt – sie und die Kinder vor Jahren verlassen hat und nach Teheran zurückkehrte, aber Marie lässt ihn überhaupt nicht zu Wort kommen, sie will es einfach nicht hören. Auch die Probleme ihrer Tochter Lucie will sie nicht wahrhaben, obwohl Ahmad behutsam versucht, zu vermitteln. Besonders deutlich wird das seelische Chaos der Familie in der Person des kleinen Fouad, der nicht mehr weiss, wo er eigentlich zu Hause ist, zu wem er gehör, auch wenn sein Vater sich manchmal liebevoll um ihn bemüht. Fouad reagiert meist nur mit Trotz und Verweigerung. Der Schluss des Films bleibt offen.
Asghar Farhadi fasst dieses Familiendrama in schöne, klare, aber nicht aufdringliche Bilder: eine Glasscheibe zwischen den Personen, die sich so nur durch Gesten oder Blicke verständigen können, oder das heruntergekommene Wohn-Haus, das gleichzeitig renoviert und neu ausgestattet wird. Fast alle Szenen spielen in Innenräumen (auch im Inneren eines Autos oder Zuges) und gleichzeitig gibt die Hintergrunds-Atmosphäre der Gross-Stadt Paris und ihrer Vororte der emotionsgeladenen Handlung eine feste, realistische Verankerung. Grandios ist Farhardis Kunst der Personenführung, die fein-abgestufte psychologische Charakterisierung jeder Figur. Allerding stehen ihm auch exzellente Schauspieler zur Verfügung: Bérénice Bejo als schöne, aber nervös und oft harsch reagierende Marie, der Franzose Tahar Ramin als unsicherer, verstörter Samir, dem alles über den Kopf zu wachsen scheint, und der Iraner Ali Mosaffa in der Rolle des Ex-Ehemanns, der sich bemüht, die herrschenden Spannungen mit ruhiger Distanz auszugleichen, obwohl auch er zu den Verletzten innerhalb dieser Patschwork-Familie gehört.
Ein herausragender, bewegender Film – auch wenn seine Geschichte von Trennung und einem schwierigem Neubeginn, dessen Erfolg offen bleibt, eher eine bedrückende Nachwirkung hinterlassen dürfte.

Foto/Poster: Camino Filmverleih

zu sehen: Cinema Paris (OmU); Theater am Friedrichshain (OmU); Hackesche Höfe Kino (OmU); Capitol; Kino in der Kulturbrauerei; Passage Neukölln

New York, Ende der 1970er Jahre. Irving Rosenfeld (Christian Bale) ist Besitzer mehrerer Wäsche- und Kleider-Reinigungen und handelt darüberhinaus mit miesen Papieren und gefälschten Bildern. Sidney Prosser (Amy Adams), ein taffes US-Girl, schmückt sich gern mit dem Akzent einer englichen Lady und angeblichen Verbindungen zur Londoner Finanzwelt. Beide ergänzen sich zu einem flotten Gaunerpärchen, obwohl Irving Vater eines kleinen Sohnes und mit der attraktiven Blondine Rosalyn (Jennifer Lawrence) verheiratet ist. Als die beiden mit der Steuerbehörde in Konflikt kommen, nutzt der über-ehrgeizige Lockenkopf und FBI-Beamte Richie DeMaso (Bradley Cooper) die Situation zu einem Deal aus:  mit der Hilfe des Gauner-Pärchens will er einige Staats-Beamte der Korruption überführen. Zunächst richten sich Verdacht und fingierte Geldübergabe auf den etwas gross-spurigen Bürgermeister Carmine Polito (Jeremy Renner) aus Camden/New Jersey. Als das schief läuft, wird das gleiche Plan-Spiel – erfolgreicher – auf weitere Politiker, Senatoren und Kongress-Abgeordnete angewendet. Und auch die US-Casino-Maffia (als deren Boss Robert de Niro einen winzigen Auftritt hat) sowie ein als Scheich verkleideter Mexikaner spielen dabei eine wichtige Rolle. Doch an dieser Liga haben sich die Klein-Gauner wie das FBI ziemlich überhoben: und am Ende sind natürlich alle düpiert – Betrüger wie Betrogene.
„Some of these things actually happened“ heisst es im Vorspann des Films, der einen tatsächlichen Skandal der 70er Jahre frei variiert. Dem Regisseur David O.Russell (und seinem Team) gelingt ein ebenso furioser wie eleganter Spagat zwischen Gauner-Komödie und Gesellschafts-Satire. Der Plot, sehr verwickelt und undurchsichtig, spielt dabei weniger eine Rolle als die temporeiche und glamouröse Inszenierung mit ihren witzigen Bild-Details und pointierten Dialogen. Dazu eine glänzende Ausstattung (luxuriöse Kleider, scharfe Frisuren -weibliche wie männliche), unterlegt mit den musikalischen Top-Hits jener Jahre. Doch der eigentliche Triumpf ist das brilliante Darsteller-Ensemble: Christian Bale als Irving, mit deutlicher Wampe unterm Seidenhemd und Toupet auf der Halb-Glatze und ebenso grosskotzig wie mickermäusig, Amy Adams als taffes Girl Sidney mit abgrund-tiefen Decolltés, Bradley Cooper als macho-mimender und gefühls-schäumender FBI-Ehrgeizling, Jeremy Renner als eitler Bürgermeister mit Elvis-Tolle und – vor allem – Jennifer Lawrence als Ehefrau Rosalyn, die mit hochgesteckter Lockenpracht zwischen raffinierter Eleganz und vulgärer Kodderschnauze durch Schlafzimmer und Nobel-Hotels stöckelt.
Eine vergnügliche, sehr amerikanische – wenn auch etwas zu lang geratene – bissige Komödie.

Foto/Poster: Tobis Verleih

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Hackesche Höfe Kino (OmU); Neues Off (OmU); Odeon (OmU); CinemaxX Potsdamer Platz; CinePlex Neukölln Arcaden; Titania Palast Steglitz; Filmpalast Treptower Park; Cubix Alexanderplatz; CineStar Tegel; Filmtheater am Friedrichshain (dt. und OmU); Kino in der Kulturbrauerei; UIC am Eastgate; Colosseum; Gropius Passagen; Yorck; Zoo-Palast u.a.

Dallas 1985. Ron Woodroof ist Elektriker und Rodeo-Fan, ein rauher Bursche, dem Alkohol und den Frauen äusserst zugeneigt. Eine Blutuntersuchung anlässlich eines Arbeitsunfalls enthüllt, dass er HIV infiziert ist und nur noch kurze Zeit zu leben hat. Erst will der homophobe Krawallbruder dies nicht akzeptieren, doch dann nimmt er den Kampf um sein Leben auf: gegen seine bisherigen Kumpels, die ihn, den mit der „Schwuchtelkrankheit“ Infizierten, ausgrenzen, gegen Ärzte und Pharmaindustrie, die in ihm nur eine Testperson für frisch entwickelte Medikamente sehen.
Ron macht sich über die neue, tödliche Krankheit sachkundig, findet im nahen Mexiko einen amerikanischen Arzt, der ihm Pillen und Proteine gibt, die zwar die Krankheit nicht heilen, aber verzögern und das Leben erträglicher machen. Sogleich erwacht in Ron sein Geschäftssinn; als Priester verkleidet schmuggelt er Medikamente, die in den USA noch nicht zugelassenen sind, ins heimische Texas und gründet dort den „Dallas Buyers Club“. Gegen hohe Monatsbeitraege bekommen dessen Mitglieder die entsprechenden Pillen, wobei Ron den Transsexuellen Rayon als Kontaktperson zu den Schwulen benutzt. Das Unternehmen, das eine Gesetzeslücke ausnutzt, blüht und wird sogar noch erweitert: vom billigen Motelzimmer zur pompösen, alten Villa und mit Verbindungen zu Pharma-Hersteller in aller Welt. Bis dann eines Tages doch die Gesundheitsbehörde mit Räumungsbefehl erscheint und Ron die gerichtlichen Gegenklagen verliert.
Diese Geschichte aus den Jahren als Aids noch wenig erforscht und Gegen- oder Hilfs-Mittel kaum bekannt waren, beruht auf Tatsachen. Ron Woodroof starb 1992, also nicht nach 30 Tagen, wie die Ärzte prophezeiten, sondern nach sieben Jahren.
Der Film des Franko-Kanadiers Jean-Marc Vallée erzählt seine Story flüssig und sachlich, vermeidet Gefühlskitsch und Tränendrüse, und lässt verhalten Kritik an der Gesundheitsbehörde und der Pharmaindustrie anklingen. Sein Interesse gilt vor allem der Personenführung und der Zeichnung der Charaktere. Und dafür stehen ihm – neben einem gut gecasteten Gesamt-Ensemble – zwei aussergewöhnliche Darsteller zur Verfügung: Matthew McConaughey als Ron Woodroof in der Haupt- und Jared Leto als transsexuelle Rayon in der (tragenden) Nebenrolle.
Das Faszinierende am McCouaugheys Gestaltung ist, dass er die Zwiespältigkeit von Ron’s Charakter unaufdringlich, aber genau sichtbar machen kann; einerseits ist er der durch die Krankheit gewandelte Mann, der sein Leben in die eigene Hand nimmt und somit eigen-bestimmt, andererseits aber bleibt er der seinen Ressentiments wie Homophobie verhaftete „White Trash“-Typ, der zwar den Aidskranken hilft, gleichzeitig jedoch ungerührt mit ihnen Geschäfte macht. Ein hagerer Cowboy, schlacksig, manchmal aussehend wie der „Tod auf Latschen“, dann wieder mit lebendig glühenden Augen im braungegerbten Gesicht – das eindringliche Porträt eines zwiespältigen Charakters.
Als sehr weibliche Transsexuelle Rayon macht Jared Leto perfekte Figur, grell im Outfit, doch im Gegensatz zum Egomanen Woodroof immer dem jeweiligen Partner oder Gegenüber freundlich oder ironisch zugewandt, dabei schlagfertig und witzig, wenn auch am letalen Ende nur noch ein schmales Häufchen Elend.
Beide Darsteller tragen diesen tragisch-traurigen Film, der aber immer im Rahmen des herkömmlichen Hollywood-Kinos bleibt, also spannend und kritisch zugleich – und unterhaltsam für ein breites Publikum.

Poster/Foto: Ascot Elite Filmverleih

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Babylon Kreuzberg (OmU); Central Hackescher Markt (OmU); Filmtheater am Friedrichshain (OmU und dt.); International (OmU); Movimento (OmU); Odeon (OmU); Titania Palast Steglitz; Kino in der Kulturbrauerei; Kant-Kino; Colosseum; Yorck

Der Film basiert auf der – im Gefängnis verfassten – Autobiographie des Bankers Jordan Belfort, der in den 80er und 90er Jahren des letzten Jahrhunderts durch betrügerische Machenschaften viele US-Bürger um Geld und Vermögen brachte, selbst aber dadurch gigantischen Reichtum anhäufte und ein Leben in luxuriösen Umgebungen vor allem mit Sex und Drogen führte. Bis die Überschätzung seiner Macht das FBI auf ihn aufmerksam werden lies, seine Betrügereien aufdeckte und ihn vor den Richter brachte, der ihn zur Gefängnisstrafe verurteilte  und sein Vermögen kassierte (mit dem dann zumindest ein Teil der Gläubiger befriedigt wurde).
Hollywood-Regisseur Martin Scorsese schildert in seinem dreistündigen Film diese „wahre Geschichte“ ausschliesslich aus dem Blickwinkel des Jordan Belfort – von Leonardo DiCaprio überzeugend und brillant verkörpert. Belfort spricht direkt in die Kamera, zum Publikum, und erzählt gleichsam im Rückblick seine Story. Wie er als junger Mann das Bankgeschäft in der Wall Street erlernt, dann aber – nach einer Pleite – arbeitslos wird und in einer dubiosen Klitsche unterkommt, die ausschliesslich Schrott-Papiere verhöckert. Durch seine brilliante rethorische Begabung, mühelos diese falschen Papiere an den Mann, an die Frau zu bringen, wird er bald zum Chef dieser Maklerfirma, die nicht in der Wall Street, sondern auf Long Island residiert – auch wenn Belfort selbst mit dem (von einem Magazin verbreiteten) Spitznamen „The Wolf of Wall Street“ geschickt Eigenwerbung betreibt.
Doch seine Lebensbeichte konzentriert sich (in Scorseses Film) nur nebenher auf die dubiosen Aktien-Manipulationen oder die finanz-wirtschaftlichen Machenschaften,  Belfort selbst sagt direkt in die Kamera, dass sich ja keiner dafür wirklich interessiere…
Deshalb erzählt er um so ausführlicher über sein privates Leben:  berichtet von seinen beiden missratenen Ehen, vom Erwerb teuerer Luxus-Wohnungen, Autos, den Jachten und  schildert besonders genüsslich eine schier unendliche Reihe ausschweifender Partys mit viel Sex und Drogen. Optisch ein tolles Bilder-Panorama: von atemberaubenden Luxus-Villen auf Long Island oder in Miami bis zum gierigen Ziehen von Kokain-Linien auf nackten Damen-Hintern.  Alles gesehen durch Bedforts eigene Augen – nur selten wird (genialer Regietrick!) seine Ezählung mit der Wirklichkeit konfrontiert – beispielsweise wenn er zunächst von einer nächtlichen Autofahrt unter starkem Drogeneinfluss erzählt, dann aber der Polizeibericht – als Film im Film – gezeigt wird : wie Belfort vollgedröhnt das Auto unter Umgehung aller Verkehrsregeln rücksichtslos zu Schrott und Asche fährt und nur durch Glück bei dieser wilden Fahrt nicht ums Leben kommt.
Und am Schluss fügt Scorsese noch einen kleinen, makabren Epilog an. Aus dem Gefängnis entlassen, tourt Belfort ungebrochen durch Australien und Neuseeland, um angehenden Aktien-Händlern, die ihn gläubig anstarren, die Tricks beizubringen, wie man allein durch geschickte Rethorik alles verkaufen kann…
Martin Scorseses gelingt ein filmisch brillantes Meisterwerk – und doch hinterlässt diese Selbstbiographie eines betrügerischen Aktien-Händlers, die gleichsam die grosse Finanzkrise vorwegnimmt, einen unbefriedigenden Nachgeschmack. Der Tunnel-Blick ermöglicht zwar die fulminanten Bilderfolge schier endloser Sex- und Drogen-Exzesse, aber er blendet doch Vieles aus, vor allem die Opfer. Auch das politische und sozial-gesellschaftliche Umfeld ist fast ausgespart -  zugunsten der überquellenden Szenen  von Konsum-Räuschen und Lebens-Gier.
Gerade dieser subjektive Blick mag Scorsese und sein Team  zu solch phantasievoller und brillanter, filmischer Umsetzung angeregt  haben, doch fragt sich der überrumpelte Zuschauer am Ende dann doch, ob er nun eine „wahre (autobiographische) Geschichte“ gesehen hat, oder bloss die gängigen Klischees eines schlichten Groschen-Romans.

Foto/Poster: Universal Picture Germany

zu sehen: Central Hackescher Markt (OV); Cine Star Sony Center (OV); Filmtheater am Friedrichshain (OmU); Neues Off (OmU); Odeon (OmU); Rollberg (OmU); Astor Film Lounge; CinemaxX Potsdamer Platz; CineMotion Hohenschönhausen; Cineplex Neukölln Arcaden; Cineplex Spandau; Titania Palast Steglitz; Cubix Alexanderplatz; CineStar Hellersdorf; CineStar Tegel; Filmpalast Treptower Park; Kino in der Kulturbrauerei; Kant-Kino; UCI am Eastgate; Colosseum; UCI Friedrichshain; UCI Gropius Passagen; Zoo-Palast u.a.