Vier Geschichten aus dem chinesischen Alltag von heute, vier Geschichten von Bürgern, die gedemütigt oder unterdrückt werden und die sich wehren – blutig und sinnlos.
In einem Industiegebiet im Norden prangert ein Minen-Arbeiter Korruption und Ungerechtigkeit des Bürgermeisters und des smarten Werkbesitzers an; er wird brutal mit einem Golfschläger niedergeknüppelt und übt daraufhin grausame Rache – mit seiner Schrotflinte.
Ein Wanderarbeiter, der – ihm auflauernde – jugendliche Wegelagerer kaltblütig erschiesst und anschliessend seine Familie zum Neujahrsfest kurz besucht, raubt in der Stadt geschickt die wohlhabende Kundin einer Bank aus, indem er ihr die gerade gefüllte Geldtasche entreisst und in der Menschenmenge untertaucht.
Die Empfangs-Dame einer Mitternachts-Sauna wird von Kunden belästigt und grundlos geschlagen, worauf diese ein Messer zückt und sich blutig wehrt.
Ein junger Arbeiter verursacht durch Unachtsamkeit einen Unfall in der Nähfabrik, in der er arbeitet, und muss dafür finanziell gerade stehen; er geht nach Süden, wird Kellner in einem Luxus-Puff für reiche Touristen, verliebt sich in eine Kollegin, die in wechselnden Verkleidungen die männlichen Gäste bedienen muss, doch das zarte Glück scheitert rasch an den sozialen Umständen. Der junge Mann zieht weiter, arbeitet für karges Geld in einem Elektronik-Betrieb, wird mit vielen anderen jungen Arbeitern in einer riesigen, tristen Beton-Mietskaserne untergebracht – und stürtzt sich vom Balkon in den Tod.
Der chinesische Regisseur Jia Zhang-ke, 44 Jahr alt, aus dem Norden stammend, in Peking an der Kunstakademie ausgebildet, dreht seit 1995 Dokumentar- und Spielfilme, die geschult sind am Neorealismus italienischer Prägung; aber auch das japanische Kino hat Einflüsse auf seine Ästhetik. 2006 erhielt er den ‚Goldenen Löwen‘ in Venedig für „Still Life“, bedrückende Geschichtem um den Bau des riesigen Drei-Schluchten-Staudamms und dem dadurch bedingten Überfluten von Orten und Lebensräumen vieler Menschen.
Auch „A Touch of sin“ (Tian Zhu Ding) schildert krass und realistisch den Alltag im heutigen China – einem China der wirtschaftlichen Öffnung und Angleichung an westliche Zivilisation-Vorstellungen. Doch wird dieses China nach wie vor von der alten Kaste der kommunistischen Partei regiert und unterdrückt, ergänzt um Neo-Kapitalisten, die dank des wirtschaftlichen Aufschwungs reich und mächtig geworden sind. Die  – nur sehr lose miteinander verbundenen -  Episoden zeigen einfache Leute und wie sie durch den sozialen und gesellschaftlichen Umbruch aus der Bahn geworfen werden, und mit ihren religiösen und moralischen Vorstellungen oder Traditionen nicht mehr zurecht kommen.
Der Film findet dafür zahlreiche – ebenso reale wie poetische -  Bilder:  ein Pferd, vor einen Karren gespannt und brutal ausgepeitscht;  die Sauna-Angestellte, die mit dicken Geldscheinbündeln roh geschlagen wird; der Wanderarbeiter, der rituell zu den Geistern betet und gleichzeitig kalt jugendliche Räuber erschiesst; Bilder von riesigen Menschenmassen in Bahnhöfen, Omnibusstationen oder Beton-Silos, gigantische Industieanlagen, die die Luft verpesten, Reste alter Tempel, Buddah- oder Mao-Statuen, sogar ein kitschig-christliches Madonnen-Porträt verirrt sich dazwischen.
(Kamera: Nelson Yu Lik-wai).

Grandios jedoch wie die realistischen Szenen ins Surreale gesteigert werden, ohne dabei ihre Wahrheit zu unterlaufen – Bilder als Kino-Zitate: die sich wehrende Sauna-Angestellte scheint einem Martial-Art-Film entsprungen, der schiessende Wanderarbeiter einem Western. Immer wieder  begegnen die durch alle Regionen Chinas reisenden und fahrenden Personen  den traditionellen, chinesischen Wander-Theatern mit ihren ebenso kunstvollen wie künstlichen Musik- und Akrobatik-Darbietungen -  auch dies belebender Kontrast und Überhöhung der Wirklichkeit zugleich.
Musik wird sehr sparsam eingesetzt: Natur- und Alltags-Geräusche, Töne aus öffentlichen Lautsprechern, aus Radio und Fernsehn, aber auch klassisch-chinesische oder
Pop-Musik.
Der Film wird hier zu einem magisch-realistischen Kosmos des riesigen Landes – der fast jedes gesellschfts-kritische Thema anpackt, böse und pessimistisch, der aber auch viel Emphatie für seine Personen aufbringt – ohne sie zu heroisieren oder deren Handeln zu billigen.

Kino, in dem schonungloser Realismus und filmische Phantasie wunderbar ausbalanciert sind – vielschichtig, erhellend, faszinierend –
und: ein Kunstwerk, das die chinesischen Zensur (bisher) erfolgreich passiert hat.

Foto/Poster: Rapid Eye Movies

zu sehen: Babylon Mitte/ Brotfabrik/ Eiszeit/ fsk/ Lichtblick-Kino (alle OmU)

Eine Stadt im Staate New York, 1841. Der schwarze Violonist Solomon Northup ist ein angesehener Bürger, verheiratet, zwei Kinder. Von dubiosen Schaustellern nach Washington gelockt, wird er gekidnappt und mit anderen Leidensgenossen als Sklave in den Süden verkauft. Zunächst an einen ihm freundlich gesinnten Plantagenbesitzer, dann, als er mehrmals aufbegehrt, auf die Baumwollfelder eines frömmelnden Sadisten, der seine schwankenden Gefühle brutal an den schwarzen Sklaven auslebt, die er immer als sein „Eigentum“ bezeichnet. Erst nach vielen Jahren gelingt es Solomon durch Zufall, einem weissen, nicht rassistisch denkenden Handwerker sein Schicksal zu erzählen – einige Zeit später wird er befreit und kann in den Norden zu seiner Familie zurückkehren.
Es ist eine „wahre Geschichte“ – Solomon Northup hat sie 1853 selbst in einem Buch veröffentlicht, das zur Grundlage des gut zweistündigen Films wurde. Der britische Video-Künstler und Regisseur Steve McQueen, der mit dem hautnah gezeigten Todeskampf des IRA-Terroristen Bobby Sands („Hunger“) und der intensiven Studie eines sexbesessenen New Yorkers („Shame“) grosse internationale Aufmerksamkeit erregte, schildert die Geschichte des Solomon Northup im Ton eines konventionell-farbigen Hollywood-Epos – auch wenn Details der Dramaturgie und Inszenierung die in solchen Historien-Filmen üblichen Klischees weitgehend vermeiden oder zu sublimieren versuchen. Auf ausladende Schau- und Massenszenen wird verzichtet, die Bildfolgen bleiben ganz nahe bei den Personen, ihren Gesichter, ihren Körperbewegungen;  der umstandslose, dramatische Fluss der Erzählung wird lediglich durch ruhige Landschafts-Aufnahmen kontrastiert und gegliedert.
Diese Art der sinnlich direkten Bilder wird besonders in jener Szene deutlich, als Solomon, der als Sklave den Namen „Platt“ tragen muss, an einem Baum aufgeknüpft wird, die Schlinge um den Hals, nur noch die Zehen berühren den sumpfigen Boden und bewahren den Gequälten vor dem Tod, während auf den Wiesen im Bild-Hintergrund die anderen Sklaven ihrer täglichen Arbeit nachgehen und (mit einer Ausnahme) nicht wagen, dem Aufgeküpften zu helfen.
Auch die sonst in Hollywood-Epen sämig aufrauschende Musik (hier vom Routinier Hans Zimmer) setzt Steve McQueen sehr behutsam ein, benutzt oft nur reine Natur-Geräusche – etwa bei einer Grossaufnahme, in der Solomon zweifelnd wartet, ob die Offenbarung seines Schicksals dem weissen Handwerker gegenüber Folgen hat – , doch will oder kann der Regisseur nicht ganz auf den gefühls-untermalenden Sound verzichten, einschliesslich des koventionell-perfekten Gospel-Gesangs baumwollpflückender ‚Nigger‘.
McQueens Film besticht vor allem durch seinen genauen, unbarmherzigen Realismus, der ohne romantisierende Beschönigung („Vom Winde verweht“) oder zynisch-blutige Grellheit („Django unchained“) die Geschichte der Versklavung schwarzer Menschen in den USA zeigt. Eine Geschichte, die sicherlich nicht nur der US-Vergangenheitsbewältigung gilt, sondern auch an aktuelle Zustände – ob in Afrika, Asien oder im übrigen Amerika – denken lässt.
Die kluge und kraftvolle Inszenierung wird vervollständigt durch ein Ensemble ausgezeichneter Darsteller, wobei Brad Pitt (einer der Mitproduzenten des Films) in der kleinen Nebenrolle des weissen Handwerkers und Gutmenschen allerdings recht blass bleibt. Beeindruckend das klare Gesicht des dunklen Hauptdarstellers Chiwetel Ejiofor mit seinen grossen, staunenden und fragenden Augen, und doch stiehlt wieder McQueens bevorzugter Schauspieler Michael Fassbender allen die Schau: als ebenso charmanter wie grausamer Plantagenbesitzer, wobei er geschickt die konventionelle Karikatur eines solch bösen Menschen vermeidet,  – ein „brillianter“ Psychopath, schillernd zwischen Bibel und Peitsche.
Steve McQueen tauscht in diesem historischen Opus seine strenge, experimentelle Inszenierungs-Kunst zugunsten eines weicheren, auf breitere Publikums-Akzeptanz setzenden Kino-Stils ein -  Hollywood dankt es ihm mit dem „Golden Globe“ und (vorerst) neun Oscar-Nominierungen.

Foto/Poster/Verleih: Tobis Film

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Babylon Kreuzberg (OmU); Filmkunst 66 (OmU); Hackesche Höfe Kino (OmU); International (OmU und dt.Fassung); Blauer Stern Pankow; CinemaxX Potsdamer Platz; Titania Palast; Delphi; Kino in der Kulturbrauerei; Yorck; Zoo-Palast

Der Titel des französischen Originals lautet: „La vie d’Adèle, Chapitres 1&2“.
Kapitel 1 schildert, wie die zunächst 15-jährige Adele, Schülerin in einem Gymnasium in Lille, eine ihr zunächst unverständliche Neigung zu der etwas älteren Kunststudentin Emma entdeckt; wie sie nach einem nicht befriedigenden Abenteuer mit einem Mitschüler sich zu ihrer ungewöhlichen Leidenschaft bekennt, allen agressiven Beschimpfungen ihrer Freundinnen zum Trotz, und wie sie nach ihrem Abitur zu Emma in deren Wohnung zieht. Im 2.Kapitel ist Adele – ihrem Berufswunsch entsprechend – Kindergärtnerin und Grundschul-Lehrerin geworden, lebt immer noch mit Emma zusammen, die sich inzwischen als aufstrebende Künstlerin etabliert. Doch die Beziehung wird langsam brüchig, zumal Adele mit dem intellektuellen Freundes- und Galeristen-Kreis ihrer Lebenspartnerin nicht viel anzufangen weiss. Innerlich unbefriedigt und enttäuscht lässt Adele sich auf eine kurze Sex-Affaire mit einem Kollegen ein, worauf Emma sie brutal aus der Wohnung wirft. Einsame Zeiten für Adele folgen, gelegentliche One-Night-Stands bleiben unbefriedigend, der Versuch der beiden Frauen, nach Monaten die alte Beziehung wiederaufzunehem, scheitert. In der letzten Szene besucht Adele Emmas Vernissage in einer angesagten Galerie, aber ausser freundlichen Worten hat man sich nichts mehr zu sagen. Adele verlässt den Raum, geht einsam die Strasse nach Hause zurück.
Diese Geschichte einer Liebesleidenschaft filmt der französische Regisseur tunesischer Abkunft, Abdellatif Kechiche, ganz aus der Sicht Adeles. Und zwar fast ausschliesslich in Nah- und Gross-Aufnahmen ihres Gesichtes, aber auch die übrigen Personen zeigt die ruhige, aber zugleich sehr bewegliche Kamera (Sofian El Fani) überwiegend aus nächster Nähe. Blicke, Regungen des Gesichtes und (meist beiläufige) Worte oder Satzfetzen werden zu einer grossflächigen, filmischen  Gefühls- Landschaft. Das soziale Umfeld oder das Thema Homosexualität bilden nur den folienartigen, wenn auch lebhaften Hintergrund für die tiefgreifenden Emotionen und sexuellen Leidenschaften Adeles. Erst im letzten Drittel werden die sozialen Verhältnisse, geistigen Interessen und Bildung als lebensbestimmende Faktoren für das persönliche Schicksal der beiden Frauen stärker betont und und als solche erkennbar.
Die  sehr ausführliche und insistierende Erzählweise des 3-stündigen Werkes ist sicherlich nicht jedermanns Geschmack. Gelegentlich scheint sich der Regisseur auch in Klischees zu verheddern, wenn beispielsweise gehobene Bürger immer Austern schlürfen müssen, Arbeiterfamilien dagegen Spaghetti Bolognese. Und die Galeristen-Freunde sind hier so intellektuell versnobt und verzickt, wie sie sonst nur in Durchschnitts-Filmen vorgeführt werden.
Getragen wird diese stark sexuell geprägte – und durch den Regisseur auch so visualisierte – Liebesgeschichte durch das offene Gesicht der jungen Schauspielerin Adèle Exarchopoulos: grosse Augen, etwas pausbäckig, halboffener Schmollmund, wach und naiv zugleich. Ansteckend strahlt und lacht  sie vor Glück, kann aber auch – noch ganz kindlich -  mitleiderregend Rotz und Wasser heulen. Die direkte, sinnliche Ausstrahlung dieses Gesichtes, aber auch ihres gesamten Körpers, trägt den Film und verleiht ihm eine aussergewöhnliche Intensität. Lea Seydoux als Emma, zunächst mit blau gefärbtem Kurzhaarschnitt (Kapitel 1), später natur-blond (Kapitel 2), wirkt in ihrer Rolle als dominierende, geistig überlegene Künstlerin herber, konventioneller, dennoch bleibt auch sie immer sinnlich präsent und glaubhaft.
Dass dieses „Leben der Adele“ für so viel Aufmerksamkeit sorgt(e), liegt sichlich zum Teil an den breit ausgespielten, direkten Sex-Szenen einer lesbischen Leidenschaft – obwohl ihnen jeder voyeuristische Anreiz fehlt – , zum anderen Teil aber auch an den unterschiedlichen Vorwürfen, die – berechtigt oder unberechtigt – dem Regisseurs von Seiten seiner Film-Crew nachträglich gemacht wurden. Beim Festival in Cannes 2013 erhielt der dort uraufgeführte Film – bejubelt von Publikum und Kritik – die „Goldene Palme“ – überreicht von einem begeisterten Jurypräsidenten namens Steven Spielberg.

P.S. Der Film ist eine freie Adaption der graphischen Novelle „Blau ist eine warme Farbe“ (Bleu est une couleur chaude) von Julie Maroh – daher der Titel der deutschen Synchron-Fassung.

Poster/Verleih: Alamode Film

zu sehen: Hackesche Höfe Kino (OmU); Neus Off (OmU); Cinema Paris (OmU und dt.Fassung);CinemaxX Potsdamer Platz;Filmtheater am Friedrichshain; Kino in der Kulturbrauerei; Passage Neukölln

New York, Winter 1961. Eine Woche im turbulenten Alltag eines (fiktiven) Folk-Sängers. „Inside Llevyn Davis“ lautet der Titel seines kaum beachteten Debüt-Albums, und mit ebenso mässigem Erfolg tingelt er durch die Keller-Kneipen im Greenwich Village. Zum Schlafen nutzt der arme Schlucker – alle paar Tage wechselnd – die Couch von Freunden und Bekannten, wobei er manchmal auch mit der Frau des Gastgebers schläft oder in den unfreiwilligen Besitz einer flink-entlaufenden Katze gerät. Zweifellos besitzt Llevyn grosses Talent, aber die Musikproduzenten bevorzugen die gefälligeren Klänge gewinnbringender Songs – die Zeit eines Bob Dylan und Co. ist noch nicht angebrochen. Auf einem Kurztrip nach Chicago versucht Llevyn vergeblich bei dem späteren Musikverleger von Dylan zu punkten, doch der lässt ihn nur kalt abblitzen, verfroren an Leib und Lebensmut kehrt er ins kalte New York zurück.
Joel & Ethan Coen schildern nicht das ausgreifendes Bio-Pic eines erfolglosen Folk-Musikers, sondern zeichen in knappen, atmosphärisch dichten Szenen das Porträt einen Talentes, das durch sein allzu emotionsgeladenes Verhalten seine Möglichkeiten eines Aufstieges auf der Bühne wie im Privaten zerstört: ob er nun die (von ihm?) schwangere Frau seines Freundes und Kollegen Jim unsensibel behandelt oder ob er die ihn freundlich bemutternde Gattin eines wohlhabenden Upper-West-Side Professors unnötig beleidigt. 
Ausschliesslich die Figur dieses Llevyn (hervorragend gespielt und gesungen von dem bisher nur in kleineren Rollen aufgetretenen Oscar Isaac) steht ganz im Zentrum der schnell wechselnden Szenenfolge, alle übrigen Darsteller bleiben meist nur kurz auftretende Neben-Figuren, wie etwa Carrey Mulligan als kratzbürstige Schwangere, Justin Timberlake als etwas spiessiger Musiker-Freund oder der gewichtige John Goodmann, der als im Auto nach Chicago mitfahrender Jazz-Musiker den Folksänger süffisant und verletzend verspottet.
In stimmungsvollen Bilder (Kamera: Bruno Delbonnel) wird die Atmosphäre jener Zeit der aufkommenden Folkszene und der beginnenden Protestbewegung im Amerika der 1960er Jahre beschworen: die verrauchten Kneipen und Cafes, die bürgerlichen Apartments, die düsteren Großstadt-Strassen mit den Heckflossen-Autos, kontrastiert durch die winterlich-öde Weite der amerikanischen Landschaft auf der Fahrt nach Illinois.
Raffiniert inszenieren die Coen-Brüder vor allem die Musik: sie benutzen sie nicht als untermalenden Soundtrack, sondern lassen die bekannten Songs (teils neu arrangiert) immer wieder voll aussingen und machen sie so zum zentralen Punkt des Films. Hinzu kommen knapp gehaltenen Dialoge, oft ebenso trocken wie komisch. So gewinnt der Film einen teils kauzigen, teils sarkastisch-ironischen Unterton, der trotz aller pessimistischen Geschichten und traurigen Zustände den scheiternden Songwriter Llevyn zu einem liebenswert-symphatischen Loser und Pechvogel werden lässt.
Und zu einem musikalischen Genuss!

Foto/Poster/Verleiher: StudioCanal Deutschland

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Babylon Kreuzberg (OmU);Hackesche Höfe Kino (OmU); Odeon (OmU); Rollberg Kino (OmU); Sputnik (OmU); Bundesplatz Kino; Casablanca; CinemaxX Potsdamer Platz; Filmtheater am Friedrichshain; International; Kant-Kino; Kino in der Kulturbrauerei; New Yorck u.a.