Eigentlich finden die „Dialoques des carmelites“ von Francis Poulenc (UA: 1957 in Mailand) während der Französischen Revolution in Paris und einen nahebei gelegenen Kloster statt. Die junge Adlige Blanche ist aus Lebensangst Novizin bei den Karmelitinnen (so die Neuübertragung der Komischen Oper!) geworden, doch das Kloster wird von den Revolutionären konfisziert und geplündert, die Nonnen zum Tode verurteilt, da sie nicht bereit sind, ihrem Glauben abzuschwören. Blanche flieht entsetzt, aber als sie sieht, wie ihre 16 Glaubensschwestern eine nach der anderen tapfer die Guillotine besteigen, geht sie, ihre Angst überwindend, als letzte aufs Schafott.
In der Neuinszenierung an der Komischen Oper verlegt der spanische Skandal-Regisseur Calixto Bieito das dramatische Geschehen in ein Internierungslager oder Gefängnis des 20.Jahrhunderts. Die düster gehaltenen Dreh-Bühne wird beherrscht von raumhohen Betten-Türmen, mal von grellen Scheinwerfern, mal von hellen Neonröhren beleuchtet. Religiöse Zeichen,  Kleidung oder Symbole fehlen. Die Insassinnen tragen betont einfache, fast hässliche Alltags-Klamotten in verwaschenen Farben. Bieito vermeidet bis auf ein paar eingeschobene Momente (das Waschen einer Frauenleiche, der blutbefleckte Körper von Blanche’s ermordetem Vater) alles Provokative, erzählt die Geschichte eher umständlich und manchmal auch unverständlich auf der schmalen Vorderbühne. Die Charaktere der meisten Personen sind schematisch oder unscharf, manche Einfälle bleiben rätselhaft: die schwarz-weissen Videobilder zu beiden Bühnenseiten, die Augen oder Händen zeigen; eine halbnackte Frau, die offensichtlich geistesverwirrt durch die Bett-Etagen klettert. Unklar, was der sonst so kritisch zupackende Regisseur dem Zuschauer diesmal erzählen will, welche Haltung er selbst zu dem tragischen Geschehen einnimmt: dadurch wirkt die Inszenierung über weite Strecken farblos und fade.
Doch gleicht die gute und solide musikalische Leistung des Ensembles vieles aus: Christiane Oertel als alte, sterbende und Erika Roos als neue Priorin, Irmgard Vilsmaier als mütterlich-strenge Mutter Marie, Julia Giebel mit hellem Sopran als Freundin und jugendliche Schwester Constance sowie Maureen McKay als angstgeplagte Blanche, in der Höhe etwas schrill. Der Bonner Generalmusikdirektor Stefan Blunier dirigiert Poulenc‘ sehr gemässigt-moderne Musik mit scharfer Attacke, oft zu laut und zu zackig, erst nach der Pause im zweiten Teil findet er die ausgewogene Balance zwischen Bühne und Orchester, zwischen lyrischer Innigkeit und schneidender Dramatik. Eindrucksvoll, wenn die Frauen im weissen Hemd und mit einem Papp-Schild um den Hals („Hure Gottes“) eine nach der anderen – laut das „Salve Regina“ singend – nach hinten abgehen und im Orchester jeweils das Fallbeil brutal zu hören ist.
Eine musikalisch stimmige, szenisch jedoch  – wider Erwarten – blasse Aufführung.

Foto: Monika Rittershaus/ Komische Oper

nächste Vorstellungen: 30.Juni/ 03./ 09./ 16.Juli 2011

Leonard Bersteins „Candide“ (uraufgeführt 1956)  tut sich bis heute – trotz zahlreicher Umarbeitungen -  schwer auf der Bühne, während die Ouvertüre und einige Musiknummern daraus sich zu Hits auf dem Konzertpodium und im Radio entwickelt haben. Auch die Neuinszenierung der Staatsoper im Schillertheater hinterlässt einen zwiespältigen Eindruck: missrät weitgehend zum bunten Kasperletheater ohne zündenden musikalischen Funken.
Der französische Regisseur Vincent Boussard lässt auf karger, hellglänzender Bühne eine groteske Sitten-Revue im Stil der Hogarthschen Kupfer-Stiche ablaufen – Strawinskys ‚Rake’s Progress‘ lässt deutlich grüssen. Kostüme zwischen schrägem Rokoko und heutiger Pariser Haute Couture (vom Modeschöpfer Christian Lacroix),  farbig-abstraktes Video-Geflimmer, dazu der düster gewandete Staats-Opern-Chor, der hinter einer Rampe auf halber Bühnen-Höhe das Geschehen neugierig beobachtet und klangschön kommentiert. Candide, anzusehen wie ein fescher Italo-Tenor, purzelt als naiver Tor durch die hier immer gleich aussehende, kahle Welt, vom heimischen Westphalen über Paris und Buones Aires nach Venedig, stehts auf der Suche nach seiner geliebten Cunegonde. Doch der satirisch-politische Hintergrund bleibt bei dieser vordergründigen Comic-Reise ausgeblendet -  aus dem komisch-kritischen Musical wird eine oberfächliche Klamotte.
Auch musikalisch kommt der (englisch gesungene) Abend nicht in Fahrt – trotz des kompetenten  Gast-Dirigenten Wyne Marshall : das Orchester klingt nur laut und wenig differenziert. Der Amerikaner Leonardo Capalbo spielt mit gefälligem Tenor einen agilen Candide. Maria Bengtson ist seine attraktive, blonde Cunegonde (in Lacroix’s schicken Abendkleidern), doch singt sie mit kühler Perfektion, ohne jedes ‚Glitter and be gay‘ (Funkeln und Fröhlichsein). Und Anja Silja als ‚Old Lady‘ (mal in weisser Servierschürze, mal in schrillem Pepita) ist stimmlich nur noch ein trauriges Abbild ihres einstigen Ruhms. Wirklich überzeugend präsentiert sich nur die Marthaler-Ikone Graham F.Valentine in mehreren kleinen, scharf gezeichneten, komischen Rollen.
Ein äusserlich kunterbunter Abend, aber ohne Biss, ein musikalischen Feuerwerk, das nicht zündet: Candide muss weiterhin auf Suche gehen – nach der besten aller (Bühnen-)Welten.
Foto: Clärchen und Matthias Baus/Staatsoper Berlin

nächste Vorstellungen:26./ 28.und 30.Juni 2011

Vor 13 Jahren entstand diese Inszenierung des Verdi’schen ‚Macbeth’  für die Kölner Oper – und es spricht für ihre Qualität, dass sie sich auch heute noch behaupten kann.
Der kanadische Regisseur Robert Carsen verlegt die Handlung in eine zwar nicht näher gekennzeichnete Militär-Diktatur im einstigen Ostblock – doch dürften Rumänien und sein grausames Herrscher-Paar Ceausesu als Vorbild gedient haben. Eine graue Beton-Wand beherrscht die weitgehend kahle Bühne:  mal blutbeschmiert, mal mit schmalen Türen bestückt oder beklebt mit den Fotos der verschollenen oder getöteten Angehörigen der Geflüchteten und Exilanten. Bei Banquo’s Ermordung stehen Schreibtische vor dieser Wand wie in einem Stasi-Büro und in der Bankettszene schiebt sich eine lange, mit Silberbesteck und Blumen geschmückte Tafel herein. Mal scheint das (raffiniert gesetzte) Licht bläulich-fahl auf diese abweisenden Beton-Räume, mal schimmern sie veredelt in bräunlich-goldenen Tönen. Wie in einem Film läuft das grausame Geschehen ab: die Hexen huschen hin-und her als Gruppe gespentischer Putzfrauen, Macbeth ersticht den schlafenden König in einem spartanischen Bett, die Bankett-Gesellschaft tanzt dezent vor einem riesigen Diktatoren-Porträt an der Wand, die Lady zieht in ihrer Wahnsinn-Szene – eine stark-strahlenden Taschenlampe in der Hand – die blutige Uniform ihres Mannes nach sich, während dieser von einem wie im Blutrausch agierenden Macduff getötet wird, für den – als dem neuem Diktator -  prompt der rote Teppich ausgerollt wird und für den dann die Soldaten zum abschliessenden Siegeschor martialisch Spalier stehen.
Vielleicht ist diese Macbeth-Deutung als sich selbst fortzeugende Gewaltherrschaft etwas überzogen und von Verdi sicherlich nicht so gemeint gewesen – aber die erzählerische Stringenz und ihre – bis ins kleinste Detail – fantasievoll-theatralische Umsetzung verleiht der Inszenierung dramatische Wucht und grosse Überzeugungskraft. Zumal der Dirigent Roberto Rizzi Brignoli und das sehr flexibel agierende Orchester diese Interpretation durch geschärften Klang und durch präzise, dem Geschehen angepasste Tempi bestens unterstützen. Grossartig der Chor in seinen unterschiedlichen Formationen (Hexen, Soldaten,  Flüchtlinge, Diktatoren-Staffage) – immer klangschön, aber zugleich die jeweilige Bühnen-Situation genau charakterisierend.
Anton Keremidtchiev (alternierend mit Thomas J.Mayer) singt mit noblem Bariton einen schon früh von Skrupeln geplagten Macbeth, Anna Smirnova ist seine ehrgeizige, stramme Lady: ihr voluminöser, vibratoreicher Mezzo, der aber auch über intimere Töne verfügt, beherrscht mit grossem gestischen Ausdruck die gesamte Szene, Pavol Breslik berührt in seiner kurzen Schmerzens-Arie durch seinen sensibel-geführten, kraftvollen Tenor und Ante Jerkunica überzeugt als ein väterlich-sorgenvoller Banquo mit sonorem Bass.
Eine spannende, szenisch kluge und musikalisch sehr ansprechende Aufführung – trotz ihres pessimistisch-düsteren Themas.

Foto: Bettina Stöss/Deutsche Oper Berlin

nächste Vorstellungen: 19./21./24./28./30.Juni und 03.Juli

Ein kurzer Abend an langen Holztischen und auf schmalen Bänken;  junge Damen im feschen Dirndl servieren Bier oder Wein, aus den Lautsprechern tönt Blasmusik: die kleine Schiller-Werkstatt präsentiert sich als improvisierter Biergarten. An der Stirnseite ein erhöhtes Podium, davor nehmen Musiker der Staatskapelle Platz – auch sie in zünftig-bayrischer Tracht. Zunächt  – gleichsam als Ouvertüre – eine kurze Suite von John Cage für zwei Schlagzeuger, Klavier und Radio, 1942 unter dem Titel „Credo for us“ geschrieben als witzige Satire auf den damaligen, amerikanischen Musik-Geschmack. Mächtige Schlagzeug-Kaskaden, die immer wieder von knappen (oft jazzigen) Klavier-Einwürfen unterbrochen werden oder denen ein Radio dazwischen quäckt : am Premierenabend war’s – ein hübscher Einfall ! – die Übertragung des Fussballspiels Deutschland-Aserbaidschan.
Nach diesem rein musikalischen Auftakt schliesst sich ohne Unterbrechung eine szenische Einrichtung des Hörspiels „Der Tribun“ an, das Mauricio Kagel 1979 aus mehreren, ironisch-gebrochenen, fiktiven Politiker-Ansprachen und den  – von ihm dafür komponierten – ’10 Märschen, um den Sieg zu verfehlen’  zusammengebastelt hat. (Ein Jahr später wurde die WDR-Produktion mit dem renomierten Hörspielpreis der Kriegsblinden ausgezeichnet.)
In der heiteren Bierzelt-Atmosphäre der Schiller-Werkstatt lässt der junge Regisseur Thorsten Cölle den britischen Bass-Bariton Nicholas Isherwood die grotesk-absurden Ansprachen des Tribunen von dem mit Tisch und Stuhl ausgestatteten Podium mit mächtiger Stentor-Stimme (und perfekter deutscher Aussprache) in den Saal trompeten, manchmal darf er sich mit Hand-Mikro unters kichernde Publikum mischen. Immer wieder werden diese bizarr-bösen Sprach-Klischees und hohlen Polit-Stereotypen – wie auf Knopfdruck – vonden 10 schrägen Militär-Märschen unterbrochen, ‚falschen‘ Tönen, die die Bläser der Staatskapelle mit hoher Präzision und grossem Vergnügen (unter Stabführung von Günther Albers) schmettern lassen. Dabei nützt der Tribun diese flotten, schrillen Zwischenmusiken, um immer wieder Brille, Bärtchen oder Perücke zu wechseln, einen Sacko oder ein Kleid überzustreifen, auf diese Weise Person und Geschlecht zu tauschen und zwar in makabrer Steigerung: am Ende ballert ein wild gewordener Frankenstein mit dem Revolver sinnlos umher.
Ein kurzweilig-gefälliger Abend, der aber auch deutlich macht, dass der Zahn der Zeit an den einstigen Provokationen eines Cage oder Kagel mächtig genagt hat, dass die Satire fast jeden Biss verloren hat – und dem Regie-Team wenig eingefallen ist, den heute harmlosen Werkchen -  künstlerisch wie intellektuell -  neue oder frische Schärfe zu verleihen. (Was hätte wohl ein Christoph Schlingensief daraus gemacht?).

Foto: Barbara Braun/Staatsoper

nächste Vorstellungen: 10./ 11./15.Juni 2011

Zur Eröffnung der diesjährigen Händel-Festspielen ein Kaiser-Drama: „Ottone“ (UA: London 1723) – ein recht konventioneller Mix aus politischen und privaten Intrigen am römischen Hof der deutschen Ottonen, eine nur wenig überzeugende Verquickung von Historie und Fiktion. Auch Komponist Händel steuert dazu nur gefällig-musikalisches Handwerk bei: Arie reiht sich an Arie – mehr oder weniger abwechslungsreich. Zündende Hits fehlen.
Regisseurin Franziska Severin versucht im Opernhaus zu Halle mit sanfter Ironie ein abwechslungsreiches Spektakel auf die kreiselnde Drehbühne zu zaubern: zwischen mittelalterlichen Burg-Zinnen und mediterranen Palmen-Silhouetten versuchen die Sänger in knallbunten Theater-Kostümen ein augenzwinkerndes Historien-Spektakel lebendig werden zu lassen. Doch trotz des Engagements aller Beteiligten, trotz der zügigen musikalischen Leitung durch Marcus Creed und trotz einiger attraktiver Sänger vermag dieser alt-deutsche Ottonen-Kaiser im barocken Gewand beim heutigen Publikum nur wenig nachhaltigen Erfolg zu erzielen.
Ganz anders am Tag darauf im historischen Goethe-Theater von Bad Lauchstädt: bei sommerlich- hohen Raum-Temperaturen begeistert die phantastischen Zauber-Oper „Rinaldo“ (UA: London 1711) das Publikum in aussergewöhnlichem Maass. Denn: die berühmte ‚Compania Marionettistica Carlo Colla e Figli‘ aus Mailand lässt im wahrsten Sinn des Wortes die Puppen tanzen: Ritter und Sarazenen bekämpfen feuerspuckende Drachen, liebliche See-Sirenen umgirrten den blonden Ritter Rinaldo, Kamele und hochgeschirrte Pferde trabten durch Wüsten und Palmenhaine, und am Ende funkelten Sterne und Feuerwerk über dem wiedervereinten Paar.
Vor dieser prachtvoll-barocken Puppentheater-Bühne animiert Wolfgang Katschner seine bewährte Lauten Compagney zu munterem Spiel auf historischen Instrumenten – und von den Seiten-Emporen herunter leiht ein junges Sänger-Ensemble den graziösen Marionetten Stimme und Wohlklang (was besonders auf die Herren zutrifft, den Damen fehlt dagegen die virtuose Geläufigkeit). Und über allem leuchtet Händels wunderbare Musik: hier jagt ein musikalischer Einfall den anderen, hier herrschen Tempo und Wohlklang, bilden Schönheit und Eleganz der Musik eine effektvolle Einheit. Eine tolle Oper – eine hübsche, gefällig-naive Aufführung – wenn auch mit einigen (vor allem musikalischen) Einschränkungen.

Foto:  Händel-Festspiele-Halle