Der katalanische Regisseur Calixto Bieito gilt als Provokateur: die Komischen Oper wie auch ihr Publikum erhofften sich darum im Vorfeld der Neuinszenierung des „Freischütz“ etwas Aussergewöhnliches, womöglich einen kleinen (kassenfördernden) Skandal. Doch am Ende: Pleite! -  weder dekonstruiert der Regisseur Webers romantische Oper zum biedermeierlichen Scherbenhaufen, noch mutet er einem abgehärteten Gross-Stadt-Publikum aufregende Tabubrüche oder gar eine revolutionäre Neudeutung zu. Er entwickelt zwar (überwiegend im Programmheft) manchen ungewöhnlichen Gedanken zur vieldeutigen Geschichte vom Versager Max und seiner, von unterschwelligen Ängsten geplagten Braut Agathe. Auch analysiert er kritisch eine primitiv-brutalen Dorfgesellschaft, die sich ihre überkommenen Rituale um jeden Preis erhalten will – und dafür auch Menschen-Jagd und Mord in Kauf nimmt. Aber er vermag diese Ideen und Deutungen kaum in theatralisch überzeugende Bilder umzusetzen.

Die düstere Bühne (von Rebecca Ringst) zeigt im ersten Teil aufrechte Baumstämme, kleine blattlose Bäumchen und auf dem Boden viel herbstliches Laub – in dem zur Erheiterung des Publikums ein lebendiges Schwein während der Ouvertüre offensichtlich nach Verborgenem sucht. Kaum von der Bühne gescheucht, beginnt die Jagd des „Viktoria“-jubelnden Chores auf eine Frau im kurzen Pelzmantel, die dann wie ein Tier erschlagen und ausgeschlachtet wird. Später suchen Agathe und Ännchen, von einem faschings-ähnlichen Polterabend zurückkehrend, Max in diesem Wald, der sich seinerseits aber rasch in die Wolfsschlucht verabschiedet. Dorthin hat der kräftige Kaspar inzwischen ein schmächtiges, junges Brautpaar entführt, das er dann mit dem inzwischen nackten Max bestialisch ermordet – die Freikugeln sind dafür der Lohn.
Im zweiten Teil ist der Wald dann abgeholzt, die Baumstämme liegen kreuz und quer auf dem Bühnenboden. Nachdem die angekickste Girlie-Truppe der Brautjungfern ihren Scherz mit Braut- und Totenkrone getrieben hat, und der immer noch pudelnackte Max mit seiner Freikugel Agathe fast erschossen hätte, versucht ein riesenlanger Hippie-Eremit den Frieden wiederherzustellen, indem er das Ritual des (sexuel konotierten) Probeschusses abschaffen will – doch jetzt wehrt sich die Dorfgemeinschaft brutal – kurzerhand werden alle erschossen: Max, der Eremit, nur Kaspar setzt sich das Gewehr selbst an den Kopf – eine kleine Blut-Fontäne schiesst putzig hervor. Black-Out.
Ein Spektakel zwischen schrillem Jahrmarkt-Theater, Komödienstadel und modischer Horror-Picture-Show: effekthascherisch und dadurch über weite Strecken langweilig.
Am meisten aber leidet unter dieser vordergründig-platten Inszenierung die Musik. Dirigent Patrick Lange bemüht sich um zupackende Tempi und klangliche Differenzierung, aber die Sänger vermögen – bei all den grellen Aktionen -  ihre Rollen kaum zu erfüllen. Ina Kringelborn (Agathe) und Julia Giebel (Ännchen) singen „rein und klar“, bleiben aber blass und ausdruckslos. Vincent Wolfensteiner (Max) versteht gut zu artikulieren, hat aber einige Probleme mit sauberen Tönen. Am überzeugensten sind die dunklen Männerstimmen: Carsten Sabrowski als kerniger Kaspar und Alexey Tihomirov in der kleinen Eremiten-Rolle. Klangfest der Chor.
Webers romantischer „Freischütz“ ist einem heutigen Publikum schwer zu vermitteln: vor ein paar Jahren missriet er in der Deutschen Oper zum totalen Flop, jetzt in der Komischen Oper reichte es beim Publikum immerhin zu einem ‚gerade noch‘ – Erfolg.
Foto: Wolfgang Silveri /Komische Oper

nächste Vorstellungen:  4./ 7./ 21./ 24. Februar 2012

Als Gioacchino Rossini 1813 seine neue Oper „Tancredi“ (nach einem Schauspiel von Voltaire) in Venedig uraufführte, endete sie ganz konventionell mit einem glücklichen Schluss. Wenige Monate später bei der zweiten Inszenierung in Ferrara lies Rossini seinen Helden – ganz ungewöhnlich für jene Zeit – am Ende sterben: das Publikum reagierte empört und der Komponist musste für lange Zeiten das sogenannten ‚lieto fine‘, das Happy End der ursprünglichen Fassung wiederherstellen. Heute dagegen wird eher der tragische Ausgang, jenes musik-dramatische Experiment von Ferrara, bevorzugt -  so auch jetzt an der Deutschen Oper Berlin.
Szenisch importiert das Haus in der Bismarckstrasse dafür eine Produktion vom italienischen Rossini-Festival in Pesaro aus dem Jahr 1999. Doch die Inszenierung des italienischen Regie-Veteranen Pier Luigi Pizzi, der auch für Bühnenbild und Kostüme verantwortlich ist, entpuppt sich als sehr konventionelles Arrangement mit Säulen, Treppen und Reliefs in blankem Mamor sowie Sängern in weissen oder schwarzen Gewändern (halb alt-römisch, halb mittelalterlich), die sich vorzugsweise an der Rampe aufstellen und direkt ins Publikum singen – akustisch natürlich ein grosser Vorteil. Das Beste, was diese Inszenierung leistet, ist, dass sie die durch eine Brief-Intrige zerstörte Liebesgeschichte des sizilianischen Ritters Tancredi (vor dem Hintergrund der Sarazenen-Kriege zu Beginn des 11.Jahrhunderts) schlicht und klar erzählt – und vor allem: dass sie die Musik nicht stört.
Zumal wenn Rossinis quick-lebendige Musik mit ihren vokalen und instumentalen Finessen so hervorragend dirigiert wird wie von dem grossartigen Alt-Meister Alberto Zedda (84), einem der besten Rossini-Kenner unserer Tage. Unter ihm läuft das Orchester der Deutschen Oper zu Hochform auf: die Musik pulsiert und federt, alles klingt duftig und durchsichtigt, die Tempi sind straff und klug dynamisiert, nie – auch nicht im rasend schnellen Finale des 1.Akts – wird gehetzt oder übertrieben. Zedda verpasst den perlenden oder auch mal melancholischen Melodien die kluge Mitte: Rossini im Goldenen Schnitt.
Und auch der Chor – ausschliesslich Männerstimmen – und die sechs Solisten fügen sich passgenau in diese Lesart des frühen Belcanto ein. Etwas verhalten der helle Tenor von Alexej Dolgov (als väterlicher Argirio), mit kantablem Bass-Bariton Krzysztof Szumanski (in der Rolle des bösen Rivalen Orbazzano), mit schönem Mezzo Clementine Margaine (als Dienerin und Vertraute Isaura) sowie Hila Fahima mit klingendem Sopran (in der kleinen Nebenrolle des Dieners Roggiero).
Für die Titelrolle des Tancredi setzt die israelische Mezzosopranistin Hadar Halevy ihren dunklen, samt-weichen Mezzo ein, brilliert in den beiden grossen Duetten und zuvor mit der  (damals europaweit) zum Ohrwurm avancierten Auftritts-Arie ‚Di tanti palpiti’  – allerdings fehlt ihr (vor allem im zweiten Teil) ein wenig die Durchschlagskraft. Königin des Abends ist zweifelsohne die italienische Sopranistin Patrizia Ciofi als unglücklich liebende Amenaide: perfekt in der Ausgewogenheit zwischen strahlenden Koloraturen und trauerumflorten Legato-Bögen, stilsicher und anrührend zugleich. Niemals wird ihre vokale Virtuosität zum Selbstzweck, nie opfert sich die gesangliche Linie vordergründigen Effekten. Vielmehr fügt sich Patrizia Ciofi ebenso elegant wie selbstsicher in den musikalischen Gesamtablauf ein.
Dank dieser Sänger und dank der klaren, diziplinierten Leitung durch Alberto Zedda – ein glücklicher Rossini-Abend, italienischer Belcanto in seiner schönsten und mustergültigsten Form.

Foto: Bettina Stoess/ Deutsche Oper Berlin

nächste Vorstellungen: 1. und 4.Februar 2012

1707 traf der junge Georg Friedrich Händel in Rom ein, wo er als Auftragsarbeit für einen adligen Kleriker und Mäzen sein erstes Oratorium schrieb – geschickt die stilistischen Gepflogenheiten und Erwartungen der dortigen Kunst-Liebhaber einbeziehend. „Il trionfo del tempo e del disinganno“ (Der Triumph der Zeit und der Erkenntnis) ist ein frommer Disput von vier allegorischen Figuren, der das Vergnügen gegen die Vergänglichkeit, die Schönheit gegen Alter und Tod ausspielt – ein schlichtes Parabelspiel als Mahnung zu einem christlich-moralischen Leben. Eine knapp dreistündige Abfolge von vielen Arien und einigen wenigen Ensemble-Szenen, ohne Chor und instrumentale Zwischenspiele. Händel beindruckte mit erstaunlichen, musikalischen Einfälle und schuf einige seiner schönsten Melodien, von denen er noch in seinen späteren Werken erfolgreich profitierte. Bekanntestes Beispiel: die Arie ‚Lascia la spina‘, die später in der Oper „Rinaldo“ als ‚Lascia ch’io pianga‘ ungemein populär wurde.  Das Oratorium selbst geriet schnell in Vergessenheit.
Intendant Jürgen Flimm hat dieses Frühwerk 2003 in Zürich inszeniert und nun für die Staatsoper im Schillertheater neu eingerichtet. Und auch wenn Berlin keine so prominenten Sänger-Stars wie damals Zürich aufbieten kann, begeistert die einfallsreiche und effektvolle Auführung nach wie vor. Flimm verlegt die eher abstrakte Auseinandersezung zwischen Piacere (Inga Kalna) auf der einen und Tempo (Charles Workman) und Disinganno (Delphine Galou) auf der anderen Seite in ein hochmodisches Luxus-Restaurant – dorthin, wo auch heute Schönheit, Eitelkeit und Genuss sich treffen. Erich Wonder hat dafür einen prachtvollen Raum geschaffen -  links weissgedeckte Tische, recht eine riesige Bar, dahinter goldfarben schillernde Lamellenwände – und dazu hat Florence von Gerkan hinreissende Abendroben entworfen, raffiniert im Schnitt zwischen Barock und heutiger Edel-Boutique. Kellner in langen weissen Schürzen wieseln hin und her, die Jeunesse doree wirbelt fröhlich herein und heraus  – ebenso wie merkwürdige alte Männer in schäbigen Anzügen, tanzende Matrosen, betende Nonnen, Kinder und Blinde sowie einmal Georg Friedrich Händel persönlich – mit Jabot und Allonge-Perücke samt seiner fahrbaren Orgel. Und zwischen all dem Luxus-Treiben und den Nobel-Speisen die immer verwirrter werdende Bellezza (Sylvia Schwartz), eine elegante Blondine im dunklen Pailletten-Kleid, die am Ende sich von ihrer Freundin Piacere trennt und sich von Tempo und Disinganno ein Nonnen-Gewand überstreifen lässt. Dann sind die Tische abgeräumt, die Gesellschaft ist verschwunden, das Licht gelöscht und Bellezza singt leise eine letzte, melancholische Melodie: ein Triumph ?
Doch was wäre die schöne und kluge Regie Jügen Flimms ohne die Musik: Marc Minkowski und sein wunderbares Orchester ‚Les Muciciens du Louvre Grenoble‘ lassen – auch ohne Pauken und Trompeten – Händels römisches Oratorium äusserst frisch und zupackend erklingen – frei von allem  sprödem und dünnen Klang alter Musik, dramatisch zugespitzt und ungemein farbig. Sylvia Schwartz beeindruckt als Bellezza durch ihre blendende Erscheinung und samtweiche Piani, Inga Kalna ist eine rothaarig-temperamentvolle Piacere, wenn auch in den hohen Koloraturen etwas spitz, Charles Workman als Tempo und Delphine Galou erfreuen durch schöne Stimmen, ein wenig mehr Ausdruck wäre zu wünschen.
Ein verdienter Erfolg für Jügen Flimms einfallsreiche Inszenierung eines allzu braven Oratorium-Librettos und Riesenbeifall für die mitreissende Gestaltung der jugendlich-genialen Musik Händels durch Marc Minkowski und seine fabelhaften ‚Muciciens du Louvre‘. Ein gelungener Abend.

Foto:Hermann und Clärchen Baus /Staatsoper Berlin

nächste Aufführungen:18./21./24./27./29.Januar 2012

Eine blitzschnelle Abfolge kleiner und kleinster Szenen : Komische Mini-Dramen und Sketsche des russischen Post-Avantgardisten Daniil Charms (1905-1942) und der beiden französischen Farcen-Schreiber Georges Courteline (1858-1929) und Henri Cami (1884-1958). Ergänzt um einige Improvisationen, parodierenden Tanzeinlagen und alten Schlagern („Wenn die Sonne hinter den Dächern versinkt…“).
Regisseurin Andrea Breth hat diesen munteren Abend als ein schräges Panorama absurdester Ereignisse komponiert. Da versucht ein Mann einem anderen gegen Bezahlung in den Allerwertesten zu treten, versagt aber jedesmal; ein Büroangesteller schwänzt seinen Schreibtisch, fordert aber unerbittlich eine Gehaltserhöhung; Leute telefonieren, ohne zu wissen mit wem oder warum sie das Gespäch führen; ein Grün-Käppchen verweigert dem als Grossmutter verkleideten Wolf die Frage, warum er einen so grossen Mund habe – weshalb der Wolf es nicht fressen kann; ein sechsjähriger Knirps lässt seinen bösartigen Vater durch einen (elekrischen) Blitz verkohlen; Damen beissen sich gegenseitig in den Po oder eine Braut verbringt die Hochzeitsnacht im Dauertelefonat mit ihrer Mutter. Dazwischen versuchen sich alle mal im Tangoschritt und ein junger Mann im grauen Anzug wirbelt virtuos zum Frühlingsstimmen-Walzer durch die glatten, hellen und schnell verwandelbaren Bühnenräume (Ausstattung: Martin Zehetgruber / Moidele Bickel).
10 Schauspieler – darunter Corinna Kirchhoff, Johanna Wokalek, Elisabeth Orth, Peter Simonischek, Udo Samel, Hans-Michael Rehberg, Markus Meyer – wechseln ständig ihre Rollen, Kostüme oder Perücken, quasseln mal in Hoch- oder Schwyzer-Dütsch, Französich oder Englisch,  singen, krabbeln, blasen Alp-Horn, ballern mit Revolvern oder schwingen erstaunlich graziös die Tanzbeine. Am Ende – nach über drei etwas zu lang geratenen Stunden – sitzen alle bieder-brav an Holztischchen und singen gemeinsam im Chor – ein freundlich-ironischer Gruss an den Kollegen Marthaler.
Theater als Zerrspiegel der Welt – ein ver-rückter Abend der komischen Katastrophen, raffiniert inszeniert und brillant gespielt – es darf gelacht werden , auch wenn gelegentlich nur Selters statt Champagner serviert wird.
Eine Produktion des Burgtheaters Wien vom Februar 2011, gezeigt im Haus der Berliner Festspiele (Schaperstrasse 24) vom 9.- 12.Januar 2012.
Foto: Bernd Uhlig/ Berliner Festspiele