Brandon Sullivan (Michael Fassbender) ist ein gut aussehender, smarter Mittdreissiger,  arbeitet – gut bezahlt – in einer New Yorker Werbefirma, wohnt in einem luxuriösen Appartement mit Blick aufs Wasser und die gegenüberliegende Skyline. Bindungslos und sex-süchtig. Er sucht den schnellen One-Night-Stand, bestellt Prostituierte zu sich, chattet im Internet, masturbiert häufig. Plötzlich erscheint seine jüngere Schwester Sissy (Carey Mulligan), quartiert sich – angeblich nur für einige Tage – in seiner Wohnung ein. Sie ist in ihrer unverblümten, direkten Lebhaftigkeit äusserlich das Gegenteil des coolen Brandon, innerlich aber eine sehr labile, ihren jeweiligen Gefühlen ausgelieferte junge Frau, die Schutz und Hilfe von ihrem Bruder erwartet. Doch der sieht sich durch Sissy, die gelegentlich als Sängerin in eleganten New Yorker Clubs auftritt, in seiner persönlichen Freiheit und dem Ausleben seiner sexuellen Sucht in die Enge getrieben. Es kommt zu harten Auseinandersetzungen der Geschwister, die in einem Selbstmordversuch Sissy’s enden – Brandon kann sie gerade noch retten. Der Schluss bleibt offen.
Der britische Regisseur Steve McQueen (nicht zu verwechseln mit der gleichnamigen, amerikanischen Schauspieler-Legende!), von der bildenden Kunst herkommend, beindruckte 2008 mit seinem ersten Film „Hunger“, einem harten Drama über den Hungerstreik des IRA-Aktivisten Bobby Sands – ebenfalls mit Michael Fassbender in der dominierenden Hauptrolle, wie auch jetzt in McQueen’s zweitem Film „Shame“. Wie „Hunger“ wirkt auch das neues Werk irritierend – sowohl was die Story wie auch ihre filmische Ästhetik betrifft.
Dieses Porträt eines intelligenten Mannes, der jede festere oder tiefergehende Beziehung scheut, dafür süchtig nach häufiger und schneller Befriedigung mit wechselnden Personen (fast ausschliesslich Frauen) ist – ohne dass dabei der moralische Zeigefinger zu erhoben wird – bricht total mit dem immer noch (oft unterschwellig) akzeptierten Sexualverhalten der überwiegend christlich geprägten, westlichen Gesellschaft. (Nicht von ungefähr ist diese Story nur in solchen ‚anonymen‘ Gross-Städten wie New York glaubwürdig).
Steve McQueen schildert Brandons Geschichte in einem betont ruhigen, langsamen Stil – ganz im Gegensatz zu den wilden Schnitt-Orgien des gegenwärtigen Mainstreams. In den Schlüssselszenen hält die Kamera das Bild viele Minuten lang starr fest: beispielsweise wenn Sissy als Sängerin im Club über den Dächern Manhattn’s (in Grossaufnahme) die Sinatra-Hymne auf New York in einem extrem langsamen Tempo singt, oder wenn Brandon eine schwarze Kollegin zum Essen in ein Restaurant einlädt und die beiden, jetzt in unbewegtem Halbnah, einen schier endlosen (wenn auch amüsanten) Small-Talk pflegen.
Wirkungsvoller Kontrast dazu sind ausgedehnte, gleitende Kamerafahrten, die Brandon beim Jogging oder auf der Suche nach Sex durch das nächtliche New York begleiten. Auch die Ton-Spur des Film klingt raffiniert ausgesucht: mal dramatische, tiefe Streicherklänge des Orchesters, mal zarte Cembalo-Klänge von Bach, aber auch stumme Szenen, in denen nur leise Alltags-Geräusche zu hören sind.
Michael Fassbender vermeidet beeindruckend alle aufgesetzte Schauspielerei: allein seine leisen, nervösen Bewegungen, die grossen dunklen Augen lassen ahnen, was in diesem Mann vorgehen könnte: seine innere Einsamkeit, sein Leiden an der (geistigen) Leere seines gegenwärtigen Lebens. Auch Carey Mulligen als seine ihn nervende, unbefriedigt-unglückliche Schwester Sissy überzeugt in ihrer quirligen und verletzlichen Präsenz.
Kein Kino für zwei schöne Stunden, auch kein chic verbrämter Porno für Voyeure – sondern der bis ins letzte Bild ausgefeilte, klug durchdachte Film eines Künstlers: verstörend und intensiv zugleich.

Foto/Poster: Prokino Filmverleih

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Hackesche Höfe Kino (OmU); International (OmU); Odeon (OmU); CinemaxX Potsdamer Platz; Delphi; Kino in der Kulturbrauerei; Neues Off, Neukölln

Ländliche Idylle im englichen Devon, kurz vor dem ersten Weltkrieg. Ein Farmer, Veteran des Burenkrieges, ersteigert trotzig ein wertvolles Pferd, obwohl er einen Ackergaul für die harte Feldarbeit bräuchte. Sein jugendlicher Sohn Albert schafft zwar das Wunder, mit dem Joey genannten Pferd den steinigen Acker umzupflügen, doch um die verschuldete Farm endgültig zu retten, verkauft der Vater das Pferd bei Ausbruch des Krieges an das britische Militär. Der Film erzählt nun in vielen Episoden die Odysse dieses Pferdes über die Kriegsschauplätze zwischen Marne und Verdun, schildert wie schon in der ersten Schlacht sein neuer Besitzer fällt, es auf einem belgischen Bauerhof eine neue Heimat findet, dann aber von deutschen Truppen kassiert und als Zugpferd für schweres Geschütz eingesetzt wird. Höhepunkt ist die Szene, in der Joey sich losreist, über die Schlachtfelder und Schützengräben gallopiert, sich in Stacheldraht-Zäunen verfängt: und wie diese geschundene Kreatur gemeinsam von zwei Soldaten – einem Engländer und einem Deutschen – ungeachtet der Kanoneneinschläge um sie herum befreit wird. Am Schluss kommt Joey, zusammen mit dem inzwischen eingezogenen Albert wieder nach Devon zurück: vor gold-rot glühendem Horizont und zu aufrauschender Musik.
Steven Spielberg hat ein populäres Jugend-Buch („War Horse“ von Michael Morpurgo)  verfilmt: im Stil eines breitangelegten Hollywood-Epos. Eine Geschichte der grossen Gefühle und der prächtigen Bild-Panoramen. Altbewährtes, traditionelles Erzähl-Kino mit den neusten filmischen Mitteln und Möglichkeiten in Szene gesetzt. Alles wird leicht überhöht und pathetisch gesteigert: die grünen englichen Landschaften, die grauenhaften Schlachtfelder des ersten Weltkrieges, die kauzigen Bauern in Devon, die arroganten britischen Offiziere, der brutale deutsche Feldwebel, der jugendlich-begeisterte Pferdenarr Albert und das edle Tier selbst – alle sind mit kräftigem Umriss gezeichnete, typische Charaktere und Metaphern zugleich.
Wie weit jugendliche Zuschauer diese episodenreiche, verwickelte Geschichte erfassen und ihre symbolhaltigen Bilder zwischen Kriegsausbruch und Friedensschluss zu deuten vermögen, ist wohl nur individuell zu beantworten. Demgegenüber könnte das hohe Pathos und die meist klischeehafte Zeichnung von Handlung und Personen die erwachsenen Betrachter stören.
Dennoch: Das Raffinement der Erzählung, die Schönheit der Bilder und die Virtuosität mit der alle film-technischen Mittel eingesetzt werden, schaffen grosses Gefühlskino im alten Stil: eine Pferde-Oper als bewegende Unterhaltung für die ganze Familie (Dauer: 2 St. 20 Min.).

Foto/Verleih: Walt Disney

zu sehen:CineStar Sony Center (OV); CinemaxX Potsdamer Platz; Cubix Alexanderplatz; Titania Steglitz; CineMotion Hohenschönhausen; Filmpalast Treptower Park; CineStar Tegel; UCI am Eastgate; Kulturbrauerei; Colosseum; Gropius Passgen Neukölln u.a.

In einer belgischen Industriestadt schiebt ein Vater seinen zwölfjährigen Sohn ab: in ein Schulheim – angeblich für ein paar Wochen. Dann verschwindet der Vater und der verwirrte Sohn, Cyrill (Thomas Doret), beginnt eine ebenso störrische wie unbeirrte Suche nach ihm. Dabei gerät er durch Zufall an die junge Friseurin Samantha (Cecile de France), die aus einem mütterlichem Impuls heraus sich seiner als Pflegemutter annimmt. Zwar wird der Vater (Jeremie Renier) gefunden – als Koch in einer Kneipe -, aber der macht nur brutal deutlich, dass er mit Cyrill nichts mehr zu tun haben will. Cyrill, ein Fahrrad-Narr, gerät in die Fänge eines Dealers, raubt auf dessen Anleitung einem Tankstellen- und Kioskbesitzer die Tageseinnahmen, immer noch im Glauben, seinem Vater mit dem erbeuteten Geld helfen zu können. Erst nach einem gerichtlichen Vergleich unter tatkäftiger Hilfe der Friseurin beruhigt sich Cyrill langsam und findet in ein entspanntes Verhältnis zu seiner neuen Umgebung.
Mit unbestechlichem, aber von Symphatie getragem Blick folgen die beiden regieführenden Dardenne-Brüder den bitteren Ereignissen, die dem rothaarigen Knirps widerfahren: dass sein Vater, einzige Bezugsperson für ihn, sich so plötzlich und gemein von ihm abwendet. Verwirrung und Orientierungslosigkeit sind die Folgen, Abwehr gegen Alle und Alles, und auch die so mütterlich-selbstlos einspringende Friseuse kann erst allmählich Cyrills abwehrenden Gefühlspanzer durchbrechen. Die Handkamera bleibt immer nah bei den einzelnen Figuren, das titelgebende Fahrrad sorgt für ständige Bewegung innmitten der wenig attraktiven Wohnvierteln mit ihrem hohem Ausländer-Anteil, ein paar Takte klassischer Musik teilen das Geschehen in Abschnitte, die die jeweilige Stufe in diesem jugendlichen Entwicklungsprozess markieren.
Doch im Gegensatz zu den früheren Filmen der Dardennes-Brüder ist „Le gamin au velo“ (so der Originaltitel) ein optimistischeres Werk, das sogar heiter endet: mit einem sommerlichen Fahrad-Ausflug entlang des Maass – weitab vom tristen Beton-Grau und den stereotypen Mietskasernen der Industiestadt, in der die oft menschlich-traurigen Lebensgeschichten ihrer ärmeren Bewohner von den Dardennes so intensiv und vorurteilsfrei beobachtet werden.

Foto/Poster: Alamode Film

zu sehen: fsk (OmU); Hackesche Höfe (OmU); Theater am Friedrichshain; Filmkunst 66; Passage Neukölln

Es sind eigentlich zwei Geschichten, die Martin Scorsese in seinem neuen Film miteinander verquickt – beide spielen in einem märchenhaften Paris des Jahres 1931. Zum einen ist es die Story  des 12-jährigen Hugo, der seit dem Tod seines Vaters heimlich im Bahnhof Montparnasse wohnt und dort alle Uhren des weitläufig-geheimnisvollen Gebäudes überwacht, aufzieht oder zeitlich korrigiert. Doch Hugo’s eigentliches Interesse gilt der komplizierten Reparatur einer mechanischen Puppe, durch die er sich eine Botschaft von seinem (bei einem Brand ums Leben gekommenen) Vater erhofft. Und tatsächlich: mit Hilfe eines herzförmigen Schlüssels, den er zufällig von der Adoptivtochter eines alten Spielzeughändlers erhält,  gibt die roboterähnliche Puppe ein erstes Geheimnis preis…
Die zweite Geschichte, die Scorsese erzählt, schildert das Leben des Film-Pioniers Georges Mellies, einem ehemaligen Zauberkünstler, der als Erster kleine Spielfilme inszenierte (um 1900)  – und so zum Schöpfer eines ebenso naiven wie poetischen Kinos wurde. Doch setzte der erste Weltkrieg und die damit erfolgte Wandlung des Publikumsgeschmacks der weiteren Karriere von Mellies ein Ende, verzweifelt zerstörte er viele seiner Filme. Seinen Lebensunterhalt verdiente er danach als Inhaber eines kleinen Spielwarengeschäftes im Bahnhof Montparnasse. Und hier kreuzen sich dann seine und Hugos Wege : bis zu einem anrührenden Film-Happy-End.
Martin Scorsese, dessen Filme bisher ausschliesslich in einer realistischen, harten Männer-Welt spielten und der sich in den letzten Jahren aber auch sehr für die Rettung und Restaurierung alter Werke engagierte, huldigt mit dieser phantasievollen Kinder-Story vor allem den Pionieren der Filmgeschichte, insbesondere dem ersten, kinematographischen Zauberer Georges Mellies. Raffinierterweise tut er das, indem er die allerneuesten, digitalen Techniken (3D!) verwendet, um die Magie des alten Kinos wieder erstehen zu lassen: seinen bunten Jahrmarktszauber und seine grosse poetische Kraft. So belebt er  auf raffiniert-elegante Weise die alte ‚Reise zum Mond‘ wieder, wo die mittels einer (comicartig gezeichneten) Rakete angereisten, irdischen Mond-Besucher von wundersamen Nixen, Meermännern und fliegenden Fischen bezaubert werden.
Scorsese zitiert jedoch nicht nur Mellies, sondern spielt klug und geschickt mit den Ideen und Errungenschaften des frühen Kinos -  zeigt wild-rasende Eisenbahnen und Verfolgungsjagden durch überfüllte Bahnhöfe, lässt einen giftig-smarten Wachmeister samt zähnefletschendem Dobermann dem Waisenkind Hugo auflauern und verfolgt dann in atemberaubendem Tempo dessen Flucht durch endlose Gänge, über steile Treppen und durch riesige Räderwerke  -  bis Hugo sich in schwindelnder Höhe angstvoll-verzweifelt an den Zeiger der Aussenwand-Uhr klammert wie einst im Stummfilm Harold Lloyd  – und tief unten schimmern traumhaft die Lichterketten eines nächtlichen Paris.
Sicherlich, die Geschichte ist immer vorhersehbar, die Figuren bleiben märchenhaft und manches Detail dramaturgisch unklar. Beispielsweise: was geschah tatsächlich mit dem Notizbuch ?
Ben Kingsley spielt überzeugend den – erst verbitterten, dann aber gütigen – alten Filmpionier Mellies, doch die übrigen Darsteller (oft in winzigen Cameo-Auftritten) und leider auch die beiden Kinder bieten wenig mehr als nette Chargen.
Trotzdem: ein üppiges, virtuoses und vielschichtiges Film-Märchen für Jung und Alt. Ob jedoch die  ‚Generation Facebook‘,  eine der Hauptzielgruppen der Filmindustrie, damit etwas anfangen kann, muss sich erst zeigen.

Poster /Foto: Deutsche Paramount Film Verleih

zu sehen: Cineplex Neukölln; Cubix Alexanderplatz; CineStar in Tegel, in Spandau, am Treptower Park; Gropius Passagen; Kulturbrauerei; UCI Am Eastgate; Titania Palast; Colosseum u.a.

Frei nach einem US-Bestseller erzählt der Film die Geschichte einer jungen Frau aus der weissen Oberschicht im Staat Mississippi um 1960. Damals verdienten die schwarzen Frauen ihre Hungerlöhne als Dienst- und Kindermädchen, während deren weisse Herrinnen sich ausschliesslich mit Haushalt, Cocktailpartys oder Wohltätigkeitsbällen beschäftigen. Frisch von der Uni zurück will Skeeter, Tochter aus wohlhabendem Haus, Journalistin oder Schriftstellerin werden und führt für ihr erstes Buch Interviews mit den schwarzen Dienstboten über deren soziale Situation, obwohl die damaligen Rassengesetze in Mississippi dies verbieten. Tate Taylors Film, mit professioneller Routine gedreht, bleibt sehr konventionell und bemüht sich vor allem um eine üppige Ausstattung mit Kleidern, Dekors und Autos aus den 50er und 60er Jahren. Viel Neues erfährt der Zuschauer kaum und aus der historischen Distanz von heute wirkt das gefühlvolle Südstaaten-Drama eher wie eine Soap-Opera fürs Fernsehn: eine gut gemeinte Schnulze. Mit vielen renommierten, weiblichen US-Darstellerinnen, die kräftig chargieren dürfen (u.a. Emma Stone, Viola Davis, Jessica Chastain, Octavia Spencer, Sissy Spacek). Das biedere Gesellschafts-Bild bleibt dabei erhalten: Gute wie Böse gibt’s auf beiden Seiten. Weisse und Schwarze müssen sich nur wieder auf die alte Tugend der Zivilcourage besinnen und schon ist die (Kino-)Welt in Ordnung. Und würdig für einige Oscar-Nominierungen.

Poster /Verleih: Walt Disney

der Film startete in Berlin bereits am 12.Dezember 2011 und ist noch zu sehen im Babylon Mitte

Baseball ist in den USA ein fast kultischer Massen-Sport – ähnlich wie in Europa nur der Fussball. Doch Bennett Millers „Moneyball“ mit dem deutschen (nicht ganz zutreffenden) Untertitel „Die Kunst zu gewinnen“ ist kein Film über den Sport, dessen Regel hierzulande nur Wenige kennen, sondern eine ganz allgemeine, menschliche Geschichte hinter den Kulissen – die Sportart spielt dabei nur eine Nebenrolle. Im Zentrum steht die Figur des Managers Billy Beane (Brad Pitt), der 2002 die mittelmässige Mannschaft der Oakland Athletics – nach einem Rekordgewinn von 20 Spielen hintereinander – an die Spitze führt. Dazu bedient sich der ehemalige (nicht sehr erfolgreiche) Baseballspieler Beane eines jungen Ökonomen und Daten-Freaks, der – mittels eines computergenerierten Systems – aus bisher unentdeckten Spielertalenten eine neue, hochmotivierte Mannschaft zusammenstellt – zur grossen Verärgerung des Coachs (brilliant: Philipp Seymour Hoffman) und der bisherigen, älteren Talent-Scouts.
Dieser junge Assistent, den Beane durch Zufall entdeckt und vom Fleck weg engagiert, heisst im Film Peter Brand – sein lebendes Vorbild ist der Autor Michael Lewis, dessen Bestseller „Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game“ die Grundlage des Film-Drehbuchs bildet.
Der Film zeigt den Kampf der unterschiedlichen Ideen als spannendes Duell, an dessen Ende aber nicht der Sieg der einen Methode steht:  vielmehr die bittere Erkenntnis, das sobald eine Idee sich als gewinnträchtig erwiesen hat, sie sofort vom Gegener übernommen wird und dadurch die alte Ausgangssituation wiederhergestellt ist. Das heisst: mit Beane’s und Brands System kommen die armen Athletics zwar an die Spitze, aber nur kurz, da die reichen Yankee’s oder Red Sox’s sofort die neue Art der Mannschaftsauswahl der Athletics übernehmen und dadurch weiterhin die Oberliga repräsentieren.  Also kein Sportfilm: dafür das virtuos und temporeich inszenierte Porträt eines besessenen, eigenwilligen und nicht immer fairen Managers, dessen einzige Verbindung zur Welt ausserhalb von Baseball seine 12-jährige Tochter ist, die für ihn grossen seelischen Rückhalt bedeutet.
Bratt Pitt spielt diesen willens-starken, gelegentlich brutalen, aber nicht unsensiblen Individualisten grossartig und überzeugend – die Nominierung für den diesjährigen Oscar ist sein Lohn, ebenso wie die Nominierung von Jonah Hill als bester Nebendarsteller, der den Computer-Nerd Peter Brand verkörpert: ein äusserlich schüchtener, dicklich-grosser Junge, aber freundlich und von überragender Intelligenz.
Zwei Stunden spannende und kluge Unterhaltung – auch für den, der gewöhnlich nichts mit Baseball am Hut hat.

Poster/ Verleih: Sony

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Babylon Kreuzberg (OmU); CinemaxX Potsdamer Platz; Kulturbrauerei; Colosseum

„Trouble in Paradies“ – der Titel der Komödie von Ernst Lubitsch (1932) könnte auch über dem neuen Film von Alexander Payne (‚About Schmidt‘,2002; ‚Sideway‘,2004) stehen. (Deutscher Untertitel: ‚Familie und andere Angelegenheiten‘). Er spielt in Hawaii und schildert wie ein alt-eingesessener Familien-Clan, bestehend aus einem guten Dutzend wohlhabender Vettern und Kusinen, das letze, noch unbebaute Grundstück an einen Chicagoer Investor verkaufen will. Der beabsichtigt aus der unberührten Natur-Bucht ein gewinnbringendes Feriendomizil zu gestalten. Verwalter und Verkaufsbeauftragter des Clans ist ein Familienmitglied, Matt King (George Clooney), ein erfolgreicher Rechtsanwalt. Wie er zu Beginn des Films selbst erklärt: vielbeschäftigt und strebsam, so dass er das ihn umgebende Paradies kaum wahrnehmen kann. Doch als seine Frau beim Wasserski einen schweren Unfall erleidet und komatös im Krankenhaus liegt, muss Matt sich unerwartet um seine beiden Töchter kümmern, mit denen er seit Jahren nur oberflächliche Berührung hatte. Ausserdem erfährt er, dass seine (sterbende) Frau ihn mit einem Immobilienhändler betrogen hat und an eine Trennung dachte.
Diese familiären Katastrophen rütteln Matt recht brutal wach, er beginnt über sein bisheriges Leben nachzudenken und ganz langsam übernimmt er Verantwortung. Nicht nur bei den beiden recht taffen Töchtern – die ältere halberwachsen und unsicher, die jüngere mit drollig-frechem Charme – und einem gemütlich-kiffenden Schwiegersohn in spe, sondern Matt verweigert nun auch gegen den Willen seiner Vettern und Kusinen die Unterschrift zum Verkauf der Clan-Liegenschaft und entscheidet sich so für den Erhalt eines letzten Natur-Paradieses.
Der Reiz des Films und die Kunst seines Regisseurs Alexander Payne liegen im klugen Ausbalancieren von tragischen und komischen Momenten – im Bild wie im Dialog. Personen und Handlungen werden mit leichter Hand gezeichnet und arrangiert, ohne dramatische oder sentimentale Drücker, so dass Fragen nach der dramaturgischer Konstruktion oder der Wahrscheinlichkeit des Geschehens sich fast gar nicht stellen. Äusserst attraktiv spielen die einzelnen Szenen auf verschiedenen Inseln, zeigen schroffe Berge, blaues Meer und üppig blühende Natur, unterlegt von den typischen, heiter-melancholischen Hawaii-Melodien. Das Darsteller-Ensemble ist bestens ausgewählt, spielt hervorragend und überzeugend bis in die kleinste Nebenrolle. Und Super-Macho George Clooney – in kurzen Hosen, bunt-geblümten Hemden, das wellige Haar deutlich von grauen Strähnen durchzogen – darf sogar am Krankenbett seiner sterbenden Frau Tränen vergiessen – ohne dabei unmännlich oder kitschig zu wirken.
Alexander Payne’s Film ist eine ganz unpathetische ‚education sentimental‘ – ein wenig nachdenklich und sehr unterhaltsam, und in seinem gefälligen (Oberfächen-)Realismus Mainstream in bester Hollywood-Tradition.
Natürlich mehrfach nominiert für den diesjährigen Oscar.

Poster /Verleih: Fox Deutschland

zu sehen: CineStar Sony Center (OV); Central Hackescher Markt (OmU); Rollberg (OmU); CinemaxX Potsdamer Platz; Titania Palast; Cubix Alexanderplatz; Kulturbrauerei; Kant-Kino; Colosseum; Gropius Passagen; CineStar Treptow; CineStar Tegel; Cineplex Spandau u.a.